El Museo del Louvre es un emblema de la cultura francesa y su desarrollo. Ubicado en la orilla del Sena, este museo es una estructura que ha estado en pie durante siglos y ha visto tanto guerras como paz. Muchas generaciones de visitantes han quedado maravilladas por su gran tamaño y la impresionante colección que alberga. Continúa leyendo para conocer algunos datos interesantes sobre el museo más famoso del mundo:

## 1. En su origen, el Louvre era una fortaleza que protegía París de los invasores

El Museo del Louvre fue fundado en 1190 como fortaleza por el rey Felipe II de Francia para proteger la ciudad de los forasteros. La fortaleza se terminó en 1202 y más tarde se convirtió en la residencia real del rey Carlos V. En el siglo XIV, durante la Revolución Francesa, pasó a llamarse Muséum central des arts de la République porque albergaba la colección nacional de pinturas y objetos de arte. En 1793-1794, cuando Luis XVI fue encarcelado en el palacio de las Tullerías, la colección del museo creció hasta incluir 537 cuadros y 184 objetos de arte.

## 2. El mundo tiene dos museos del Louvre

Hay dos museos del Louvre en el mundo: uno en París y otro en Abu Dabi. El museo de París es mucho más grande que el de Abu Dabi, que se terminó en 2016. La construcción de este segundo museo oficial del Louvre costó más de 600 millones de euros. En la actualidad, recibe alrededor de un millón de visitantes al año.

## ![](https://www.eluniverso.com/resizer/qKdNdvpKTHSUM5DX2WrfL9sI5CM=/1340x670/smart/filters:quality\(70\)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/eluniverso/CDPSRQFJ45ELDGDBDWQLHP7KZM.jpg)

*El Louvre de Abu Dhabi.*

## 3. "La Mona Lisa envía un mensaje a las fuerzas aliadas": El cuadro tiene códigos ocultos que se utilizaban para comunicarse con los aliados

Durante la Segunda Guerra Mundial, las obras de arte fueron trasladadas varias veces. Cuando las tropas aliadas invadieron Francia, se envió un mensaje codificado por la radio de la BBC y se colocaron carteles alrededor de los museos advirtiendo a los pilotos que no los bombardearan. Ningún museo, incluido el Louvre de París, sufrió daños ni desapareció.

En 1947, todas las obras de arte que habían permanecido ocultas durante la Segunda Guerra Mundial fueron devueltas al Louvre. Los pocos recuerdos de esta parte de la historia del Louvre son los agujeros de bala en su patio de cuando París fue liberada, y la inscripción de Jaujard en las paredes cerca de la entrada de la Ecole du Louvre.

## 4. El 66% de los cuadros del Louvre son de artistas franceses

Los cuadros que alberga el Louvre están formados por pinturas de diversos artistas de todo el mundo. Se calcula que 7500 obras de arte diferentes ocupan las galerías del museo, de las cuales el 66% proceden de Francia. Algunos de los pintores franceses más conocidos cuyas obras se encuentran en el Louvre son Vincent van Gogh, Claude Monet y Edgar Degas.

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5d/Eug%C3%A8ne_Delacroix\_-\_Le\_28\_Juillet.\_La_Libert%C3%A9\_guidant_le_peuple.jpg)

*La Libertad Guiando al Pueblo,  *[*Eugène Delacroix*](https://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Delacroix)* (1830). Uno de los cuadros franceses más representativos de su identidad patria.*

## 5. En realidad, hay cinco pirámides en el Louvre

La mayoría de la gente sabe que la icónica pirámide diseñada por I. M. Pei no es la única estructura del Museo del Louvre. De hecho, hay cinco pirámides situadas entre sus muros: tres de ellas son pirámides de cristal más pequeñas que flanquean el famoso edificio piramidal de I. M. Pei, y dos más que destacan por su ubicación dentro de las galerías del Carrousel du Louvre (una pirámide invertida y otra cuadrada).

## 6. Hitler encontró el Museo del Louvre vacío

Tan pronto comenzaron las conquistas, el ejército de Hitler se dedicó a saquear las obras de arte de los museos y de las colecciones privadas. El subdirector de los Museos Nacionales de Francia, Jacques Jaujard, previó que había que proteger el Louvre. Días antes de que se declarara la guerra, ordenó que 3690 cuadros, esculturas y obras de arte, fueran envueltos y llevados a lugares seguros. Una empresa gigantesca, teniendo en cuenta los riesgos que entrañaba. Entre agosto y diciembre de 1939, 200 camiones transportaron los tesoros del Louvre en casi 1900 cajas. Durante la invasión alemana de Francia, 40 museos fueron destruidos o gravemente dañados. Sin embargo, cuando llegaron al Louvre, los nazis fueron recibidos con marcos vacíos.

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6 curiosidades que quizás no conocías del museo del Louvre

Rafael, además de gran pintor, tenía fama de ser un hombre cortés, encantador, y dotado de un gran sentido del humor. Sin embargo, también cosechó la fama de ser un seductor, condición que, según la tradición histórica, le acabaría llevando a la tumba.

“Era Rafael persona muy enamoradiza y aficionada a las mujeres, de continuo entregado a sus servicios. Sus amigos observaban con respeto su afición a los placeres carnales, por ser persona muy segura”, relata Giorgio Vasari en su clásico *Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos*, un libro de la época donde atribuye la causa de su muerte a la incontrolada fogosidad del maestro.

## ¿Murió Raphael por un exceso de sexo?

¿Estaba el gran genio del Renacimiento abrumado por la hipersexualidad? Según Vasari, ocurrió que, “extralimitándose en sus placeres amorosos, sucedió que una de las veces cometió más excesos de lo habitual y volvió a casa con mucha fiebre...”. Avergonzado, Raphael no se atrevió a confesar a los médicos la verdadera causa de su repentina debilidad. Estos concluyeron que su falta de vitalidad era debida a una enfermedad que requería de una sangría y, en un error fatal, acabó en la tumba.

¿Quién era la mujer con la que Rafael pasó su última noche feliz? Su pasión se centraría en Margherita Luti, la Fornarina, hija de un panadero de Siena, famosa por sus sensuales retratos. Uno de los últimos cuadros de Rafael suele llevar su título y muestra unos pechos desnudos cubiertos por un velo translúcido con una sonrisa seductora; está colgado en el Palazzo Barberini.

Los eruditos han especulado sobre su identidad durante siglos, sin obtener una respuesta definitiva. La obra no aparece en el inventario realizado poco después de su muerte, aunque es probable que esto se debiera a que la conservó como objeto privado. Hay varias firmas que pueden verse a lo largo del cuadro; en una de ellas se lee "Rafael Urbinas", lo que significa que él mismo se hizo propietario de la obra. Esta evidencia sugiere que era alguien cercano a él, posiblemente un pariente o amante.

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5e/La_Fornarina%2C_por_Rafael.jpg)

## Raphael no murió por un exceso de sexo

Sin embargo, un reciente estudio científico desvela la verdadera causa de la muerte de Rafael: el pintor no murió por exceso de sexo. El grupo de expertos ha demostrado que el genio del Renacimiento no murió de sífilis, sino que contrajo una neumonía mientras recibía estos tratamientos de sangría.

Un estudio de la Universidad de Milán-Bicocca ha determinado que lo más probable es que Rafael muriera de neumonía y de un "error" durante su tratamiento contra la sífilis, en lugar de contraer la enfermedad por su estilo de vida libertino.

Tras su muerte, el 6 de abril de 1520, Rafael fue enterrado con todos los honores en el Panteón romano, descansando junto a una estela que le dedicó su amigo Pietro Bembo: "Aquí yace Rafael, quien mientras vivió hizo temer a la naturaleza ser superada por él y que, cuando murió, temió morir con él".

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Rafael el pintor del... ¿sexo?

La Gioconda es quizá la obra de arte más reproducida y explotada. Ha tenido una explotación mediática mayor que cualquier otro cuadro, y sirve de referencia cultural primordial para muchas personas. Pero, ¿sabemos quién era esta enigmática mujer?

## ¿Quién era la Gioconda?

La versión más extendida sobre la identidad del modelo utilizado por Leonardo da Vinci pertenece a los documentos escritos por Giorgio Vasari, quien afirma que Francesco di Bartolommeo le encargó pintar La Gioconda en 1495. Cuando se expuso por primera vez, algunos creyeron que esta nueva perspectiva de la pintura cambiaría nuestra forma de ver la realidad.

Según Vasari, "La boca, unida a los tonos carnosos del rostro por el rojo de los labios, parecía carne viva más que pintura... Fijando la mirada en la garganta, se podía jurar que le latía el pulso...".

## ¿Por qué es tan famosa la Mona Lisa?

La pose relajada de la modelo es una de las innovaciones más importantes del retrato. Los retratos anteriores parecen rígidos y artificiales porque están posados de manera formal. Esto se aprecia al estudiar detenidamente a la modelo: en el lado derecho, tiene una visión de pájaro de todo el cuadro que no coincide con lo que se ve en el lado izquierdo, donde tiene su visión de perspectiva inferior. Lo que se encuentra entre ellos no es visible a primera vista, y forma parte del misterio que envuelve a este cuadro, pero sugiere fuerzas elementales como caminos y acueductos.

Leonardo utilizó la técnica del *sfumato* en su cuadro La Gioconda. Esta técnica consiste en difuminar los contornos de figuras y objetos, dándoles un efecto tridimensional. De este modo se crea una inquietante sensación de movimiento en el cuadro, que le confiere un aspecto más real y, junto al resto de elementos que hemos contado, el famoso halo de misterio que la rodea. Pero hay un elemento aún más misterioso en el que casi todo el mundo coincide al contemplar la obra: su sonrisa.

![](https://www.arturamon.com/wp-content/uploads/2020/07/01-Llavis-Mona-Lisa.jpg)

## La sonrisa de la Gioconda

La enigmática sonrisa de la Gioconda se ha interpretado de diversas maneras. Una explicación es que se refiere a "los dos fondos" antes mencionados: uno con los ojos mirando hacia abajo y el otro hacia arriba, lo que crea una lucha visual para el espectador. Sigmund Freud creía que la famosa sonrisa de Leonardo se debía a los recuerdos de su madre de cuando era joven. Esta sensación de extrañamiento coincide con otro elemento que muchos expertos resltan: lo bien trabajadas que están las manos que se muestran.

Al igual que la sonrisa, las manos están perfectamente relajadas y subrayan la majestuosa compostura de la modelo. El brazo apoyado en la silla, a su vez, ayuda a enfatizar cómo la cabeza y el torso de la Mona Lisa tienen un ligero giro, provocando un efecto pocas veces repetido en la historia del arte. Su historia como cuadro pintado en varias capas, además de esta extraña sensación de misterio que experimenta el espectador, aporta una explicación de por qué las cejas de la Gioconda no están pintadas como el resto de sus rasgos, y es que se añadieron más tarde, una vez seca la pintura.

La Gioconda es un óleo sobre madera de 77 x 53 cm, que se encuentra actualmente en el Museo del Louvre de París. Si deseas conocer otros datos sobre esta obra, como su robo y salto a la fama, u otras características técnicas, datos sobre Leonardo da Vinci y, sobre todo, información sobre las más grandes obras del arte que alberga el Museo del Louvre de París, te recomendamos  ["El Louvre Guía de Arte" ya disponible en Amazon haciendo click aquí.](https://www.amazon.es/dp/8418943424/) Si prefieres comprarlo en librería, [**encuentra tu librería más cercana haciendo click aquí.**](https://www.todostuslibros.com/libros/museo-del-louvre-guia-de-arte\_978-84-18943-42-3)

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*Información extraída de: https://www.historiadelarte.us/renacimiento/la-gioconda/*


La verdadera historia de la Gioconda

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Tiziano es considerado un hombre excepcional en muchos aspectos, como el calibre de sus cuadros, la calidad de varios inventos y el hecho de que se distinguiera de otros artistas afines por disfrutar de una vida cómoda en la que siempre tenía suficiente trabajo, fama o ingresos.

### Tiziano, vida y arte


Tiziano Vecellio nació en Pieve di Cadora, en la región del Véneto, hacia 1487. A los nueve años fue enviado a un taller de Venecia para comenzar su aprendizaje en el arte del mosaico. El joven artista progresó hasta convertirse en alumno del pintor Giovanni Bellini (c. 1430-1516) en su taller veneciano. Un contemporáneo suyo, Giorgione da Castelfranco (1475-1510), que aún era aprendiz, se convirtió en otra futura estrella. Las influencias de Tiziano y Giorgione fueron muy fuertes, especialmente hacia 1504, cuando colaboraron en la fachada del Palacio Fondaco dei Tedeschi. A la muerte de Giorgione, a la edad de 30 años, Tiziano alcanzó la primera clase de arte con obras como el ciclo de frescos que realizó hacia 1511 para la Escuela de los Santos de Padua y el Bautismo de Jesús, hoy en los Museos Capitolinos. Su primer gran encargo público fue el retablo de la Asunción de 1518, destinado al ábside principal de la iglesia veneciana dei Frari (monjes). En esta obra, la acción y el movimiento atraen la mirada del espectador de la oscuridad a la luz.

![](http://www.sigecweb.beniculturali.it/images/fullsize/ICCD50007134/ICCD5463684\_CdO13872.jpg)

*Tiziano, La Giustizia in veste di Giuditta giustizia dipinto, 1508 - 1509*

La fama de Tiziano se extendió rápidamente por toda la región del Véneto y se convirtió en el maestro indiscutible de la pintura en Venecia, especialmente cuando los artistas de su generación emigraban a otras ciudades como Florencia y Roma en busca de riqueza. Además de los honorarios privados, recibía sustanciosos honorarios públicos del gobierno de la República, lo que le reportó una generosa renta anual y numerosos beneficios fiscales. A medida que maduraba, comenzó a diversificar sus pinturas, explorando temas religiosos, históricos y mitológicos. Su talento para el retrato se reflejó en cuadros de gran tamaño, y sus clientes ricos también empezaron a encargarle muchas obras de este tipo, especialmente de temas mitológicos. A pesar de las invitaciones a otras ciudades, Tiziano se negó a abandonar Venecia, ya que no había nadie en la ciudad de los canales que pudiera sustituirle. Las cosas cambiaron cuando su esposa Cecilia murió en 1530, dejándole dos hijas y dos hijos. Esta tragedia marcó el inicio de un cambio en su estilo que adquirió tintes más dramáticos hacia el final de su vida.

### La técnica de Tiziano


Tiziano fue un pintor innovador. Una de sus técnicas favoritas era el uso del colore (o colorito). Esto significa utilizar yuxtaposiciones de colores para definir la composición en lugar de los contornos. El colore, gracias a artistas como Tiziano, enfatizaba la importancia de definir la forma a través de la línea y era lo opuesto a la técnica del Disegno, que se asociaba especialmente con el arte veneciano, siendo una de sus características el modo en que trataba el efecto de la luz sobre el color. Los cuadros del artista solían tener soportes sólidos en tonos tierra, a los que Tiziano aplicaba sucesivas capas de colores brillantes y translúcidos (veladuras). A veces mezclaba las capas e incluso mezclaba los colores adyacentes más sutilmente con los dedos que con un pincel. Luego aplicaba una última capa de color distintivo en lugares precisos con pinceladas sueltas. La combinación de estas técnicas es lo que da a los cuadros de Tiziano su vibrante colorido y la ilusión de profundidad. Por último, esta habilidad técnica se unía a la preocupación del artista por dotar a sus figuras de emociones tangibles que ayudaran a crear un cierto estado de ánimo en el conjunto de la composición.

### Tiziano más allá del retrato


Alrededor de 1551, Tiziano y Felipe II, en Augsburgo, estudiaron la Poesía, seis obras de sensación mitológica que el pintor entregó al monarca entre 1553 y 1562, así como aspectos fundamentales de la teoría del arte veneciano (había que hablar de la precedencia del color, etc.). figura. A esta corriente pertenecen grandes obras, en particular la Venus de Urbino y Dánae recibiendo una lluvia dorada, que muestran la importante contribución de Tiziano al tratamiento del desnudo femenino reclinado que se encuentra en el Museo del Prado.

Como veremos, su condición de retratista no le impidió desarrollar una obra que reflejaba su amplio interés por la mitología.

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/46/Tizian\_-\_Danae_receiving_the_Golden_Rain\_-\_Prado.jpg/1200px-Tizian\_-\_Danae_receiving_the_Golden_Rain\_-\_Prado.jpg)

*Tiziano, Danaë y la lluvia de oro, 1544 - 1546*

Esta maravillosa obra puede disfrutarse, como hemos mencionado, en el Museo del Prado de Madrid. Si te interesa descubrir más sobre Tiziano, [te recomendamos la Guía de Arte del Prado](https://www.amazon.es/dp/841894336X/), una guía de arte imprescindible para descubrir y conocer lo esencial de las grandes obras, artistas y estilos del Museo del Prado, incluido Tiziano, que ya está disponible en Amazon.

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Tiziano, una vida de arte y fortuna

Johannes Bosch, más conocido como Hieronymus Bosch, es uno de los pintores más enigmáticos de la historia del arte. Sus obras captan los silenciosos misterios de la vida vegetal y animal, así como la intriga y la simetría de los objetos cotidianos. Veamos un poco más en profundidad su vida.

### ¿Qué sabemos del Bosco?

Según los historiadores, el Bosco fue un "artista distante e inaccesible" dentro del patrón artístico clásico. Realizó sus obras maestras en la pintura, una especie rara entre los pintores conocidos de la historia del arte.

Una obra notable que el Bosco no firmó es el cuadro La Ascensión, pero la escasa información disponible indica que su familia era miembro de la Cofradía de Nuestra Señora y que él era miembro.

![](https://arthive.net/res/media/img/oy800/work/79f/314550@2x.jpg)

*Hieronymus Bosch, Cielo e infierno (cuatro visiones del inframundo), 1516*

Una de las razones por las que no se le puede atribuir ninguna obra con certeza es que su estilo sólo se ha podido confirmar teniendo en cuenta un número reducido de obras mencionadas por las fuentes literarias; además, es difícil distinguir entre el verdadero Bosco y los numerosos imitadores o seguidores de su obra que tuvo.

Una de las principales características de la pintura del Bosco es la vena satírica que exhibe, especialmente cuando trata la doctrina más tradicional de la Iglesia católica. Son muy frecuentes sus alusiones al pecado, a la fugacidad de la vida o a la locura del hombre.

Para muchos, la verdadera innovación del Bosco fue el uso de elementos burlescos y divertidos, "poniendo en medio de esas burlas muchos primores y extrañezas", como dijo Fray José de Sigüenza.

Otra peculiaridad del Bosco es que utilizaba capas muy finas de pintura, dejando a veces visible el fondo del lienzo.

Esto, para algunos, era una forma de pintar carente de técnica, en comparación con otros artistas holandeses de la época. Para otros era un golpe de genio, que le permitía trabajar más rápido, ya que las capas de color se secaban más rápido, y a un coste mucho menor.

En resumen, la pintura del Bosco podría inscribirse en la tradición flamenca, pero, al mismo tiempo, se separa de ella, tanto en la imaginería como en la técnica, como acabamos de comentar.

### &#xA;¿Qué obras del Bosco se pueden ver en España?

Felipe II fue uno de los admiradores del Bosco y coleccionó muchas de sus obras. Por eso, España es el lugar donde se pueden admirar la mayoría de ellas.

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/ae/El_jard%C3%ADn_de_las_Delicias%2C_de_El_Bosco.jpg)

*Jerónimo Bosch, El Jardín de las Delicias, 1505*

El Museo del Prado de Madrid alberga 35 de las obras más importantes del pintor. Destacan el tríptico de El jardín de las delicias, La lamentación sobre el cuerpo de Cristo y La extracción de la piedra de la locura.

El Jardín de las Delicias, sin embargo, es la obra maestra y más característica del Bosco. Además, ha sido considerada una de las obras más atractivas y misteriosas (como todo lo que rodea al pintor) de la historia del arte.

Es una obra de dos metros de alto y casi cuatro de ancho, que consta de un panel central y dos laterales. Una obra llena de contenido simbólico, sobre la que hay muchas interpretaciones diferentes. Obedece a una intención tanto moralizante como satírica, y rápidamente encontró copistas e imitadores.

Esta maravillosa obra puede ser disfrutada, como decíamos, en el Museo del Prado de Madrid, donde se conserva desde 1939.

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El Bosco: el pintor más misterioso de la historia

El pasado viernes tuvo lugar la presentación de la edición española ([disponible en Amazon](https://www.amazon.es/Museo-Prado-Gu%C3%ADa-Grandes-Museos/dp/841894336X/), al igual que la inglesa) de "El Prado, Guía de arte" en MEDIODÍA LEÓN [987tv.es.](https://987tv.es)

Aquí os dejamos con el vídeo que incluye la entrevista completa:

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Carlos Taranilla nos muestra el objetivo del libro, dar a conocer la historia y los fondos de uno de los museos más importantes del mundo, centrándose en 96 obras maestras imprescindibles ordenadas por escuelas, estilos y autores a través de pequeñas pinceladas para abrir boca a todos aquellos interesados en el arte y el libro.

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Entrevista a Carlos Taranilla

Este viernes Carlos Javier Taranilla, autor de El Prado Guía de Arte, presentará en TV León su último libro, una guía de arte imprescindible para descubrir y aprender lo esencial de las más grandes obras, artistas y estilos en el Museo del Prado.

La entrevista y presentación se podrá ver en el Canal [987tv.es](987tv.es), que emite en TDT para toda la provincia y por YouTube para todo el mundo. El programa en cuestión, Mediodia León, dará comienzo a las 12:30. En él, Carlos Taranilla, natural de la provincia, descubrirá una de las más grandes pinacotecas del mundo, desde sus inicioshasta su transformación en Museo de Pinturas y sus últimas ampliaciones.

El objetivo del libro, dar a conocer la historia y los fondos de uno de los museos más importantes delmundo, centrándose en 96 obras maestras imprescindibles ordenadas por escuelas, estilosy autores, se mostrará a través de pequeñas pinceladas para abrir boca a todos aquellos interesados en el arte y el libro.

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El Prado Guía de Arte este viernes en León TV

Muchos conocen a Juan Bautista Martínez del Mazo por su relación familiar con el maestro Diego Velázquez. Pero su obra y legado se defienden por autoridad propia, acompáñanos a descrubir por qué.

> «Tan único, y especialmente en las cosas de su maestro, que es casi imposible distinguir las copias de los originales». -Antonio Palomino.

Martínez del Mazo vivió a mediados del siglo XVII, durante el Barroco y al final del Siglo de Oro. Aunque se cree que nació en Beteta, un pequeño pueblo en lo que ahora es la provincia de Cuenca, el primer dato fehaciente sobre su vida son los papeles que acreditan su matrimonio con Francisca Velázquez de Silva, hija de Velázquez. De hecho, Velázquez le introdujo en su estudio y fue también quien le presentó como pintor de corte, apadrinado por Baltasar Carlos, príncipe heredero de Felipe IV.

Gracias a este trabajo, del Mazo pudo distinguirse entre sus pares como un respetado paisajista, aunque, por desgracia para él, a menudo se le conocía primero como yerno de Velázquez y luego como pintor. Las ventajas e inconvenientes de ser familia política de uno de los pintores españoles más famosos de todos los tiempos.

La proximidad a Velázquez posibilitó a Mazo asimilar su estilo de tal modo que han llegado a confundirse algunas de sus pinturas, y todavía ahora existen vacilaciones en la atribución de ciertas obras a uno u otro maestro.  El caso más reciente es el de *La infanta doña Margarita de Austria*, atribuido a Velázquez hasta hace escasos años.


![](https://dbe.rah.es/sites/default/files/styles/wide/public/imagenes/biografias/37980-Margarita-maria-teresa-de-austria.jpg)
*La infanta doña Margarita de Austria*, hacia 1665, óleo sobre lienzo, 212 x 147 cm, Madrid, Museo del Prado.


La alargada sombra de su suegro, que le abrió las puertas para ser primer pintor de cámara del príncipe Carlos Baltasar, y después de Felipe IV, no le abandonó en vida ni, posteriormente, tras su muerte. Y es que, aunque hizo copias de obras de [Tiziano](https://es.wikipedia.org/wiki/Tiziano), [Tintoretto](https://es.wikipedia.org/wiki/Tintoretto), [Veronés](https://es.wikipedia.org/wiki/Veron%C3%A9s), [Rubens](https://es.wikipedia.org/wiki/Rubens) y del propio Velázquez, además de alguna obra derivada de estos sin ser estrictamente copia, tuvo una fructífera producción personal



Inusualmente para un pintor español de su siglo, no se conocen encargos eclesiásticos, y las únicas pinturas religiosas registradas se reducen a seis.  Los retratos de los miembros de la familia real constituyen el núcleo fundamental de su producción. Parte de su trabajo en el palacio fue incluir reproducciones de retratos oficiales creados por Velázquez, utilizando la técnica de Velázquez y aplicándola en puntos más suaves e inacabados, como se aprecia en el reducido número de retratos enteramente originales. Esta reducida obra propia, junto a la asimilación de las técnicas de su suegro, alimentaron la losa de su permanencia a la sombra de este.


Aunque hay grandes obras propias durante este período, pudo destacar tras la muerte de Diego Velázquez, con obras sublimes como *Mariana de Austria con tocas de viuda*. Tal y como cuenta Antonio Palomino en su libro *El museo pictórico y escala óptica III. El parnaso español pintoresco laureado* (1988), en esta obra podemos encontrarla sentada en medio de una sala vacía, con tan solo un perrillo a los pies, la reina gobernadora aparece como viuda del rey fallecido y como madre del príncipe heredero, [Carlos II](https://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_II_de_Espa%C3%B1a), al que se ve en una sala contigua al fondo —la Pieza Ochavada del viejo [Alcázar de Madrid](https://es.wikipedia.org/wiki/Alc%C3%A1zar_de_Madrid)—, sujeto con andadores por una dueña. El óleo, pintado con pincelada suelta y firmado en un billete que la reina gobernadora lleva en la mano derecha, sirvió de modelo a los posteriores retratos oficiales de [Carreño de Miranda](https://es.wikipedia.org/wiki/Carre%C3%B1o_de_Miranda).


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Entre sus obras más destacadas tras la muerte de Velázquez se encuentra también *La familia del pintor*, uno de los escasos [retratos de grupo](https://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_colectivo) de la pintura española, con elementos que, una vez más, remiten a su suegro con su obra atemporal [*Las Meninas*](https://es.wikipedia.org/wiki/Las_Meninas).

Pero, donde realmente destacó por cuenta ajena fue en los pequeños cuadros de paisaje pintados para la decoración del palacio real, más personales y de mayor tamaño, en los que se suele distinguir el paisaje topográfico de la ciudad, animado por multitud de pequeñas figuras, casi delineadas con ligeras pinceladas, y la reproducción de jardines reales. Fue experto en humanizar el paisaje, encarnando la influencia del clasicismo romano.

En el Museo del Prado podemos encontrar la *Cacería de Taberna de Aranjuez*, que, como el paisaje urbano, se caracteriza por la presencia de cabecillas y cuadrillas en un animado acto, en este caso de caza, y el predominio de los pequeños detalles de humano. Es a menudo comparada con la *Tela real *de la National Gallery de Londres, que generalmente se considera obra de Velázquez, pero ahora atribuida por completo a Mazo gracias a las investigaciones de José López-Rey.

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Mazo, un pintor más allá de Velázquez

El Greco fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez. Con una formación pictórica compleja, aquí te dejamos con 10 curiosidades sobre su biografía que quizás no conocías:


*   Su apodo El Greco es debido a que nació en la isla de Creta en 1541. Su origen griego le brindó el famoso apodo por el que ha pasado a la historia universal, siendo su nombre original Doménikos Theotokópoulos.

*   Comenzó muy pronto a dedicarse a la pintura, hasta tal punto que, con solo 22 años. ya se le conocía como Maestro Doménico y desempeñaba oficialmente la profesión de pintor.

*   Con 25 años se trasladó a Italia, primero a Venecia y a continuación a Roma. Allí aprendió los principios en los que basósu obra en el futuro: Pintar sin dibujo previo, el color como elemento principal de la Pintura y su consideración única de figuras y espacios.

*   Su estancia en Italia le sirvió para imbuirse de las que serían sus principales influencias: Tiziano, Tintoretto y Miguel Ángel.

*   Una de sus obras más conocidas realizadas en España, La Trinidad, sirvió de inspiración para Picasso en su célebre Guernica.

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*La Trinidad, del Greco.*

*   Su mayor anhelo era hacer carrera en la Corte de Felipe II, pero el monarca le encargó dos obras que no le gustaron y su relación acabó ahí. Esas pinturas fueron La Adoración del Nombre de Jesús y El Martirio de San Mauricio.

*   Su inconfundible estilo pictórico se debe a su compleja formación que parte de tres focos culturales muy diferentes entre sí: el Arte Bizantino en sus comienzos, a continuación, su aprendizaje de los maestros del Alto Renacimiento, y, por último, sus estudios sobre el Manierismo y Miguel Ángel. Se cree que sus críticas al trabajo de este último propiciaron su salida poco amigable de Roma y traslado a España.

*   El Greco es considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental. Un Pintor excéntrico, no sujeto a convencionalismos y con un estilo muy personal y característico. Su grandez y excintricidad le llevó a tener varios litigios por el precio de sus obras, por ejemplo con El Entierro del Conde de Orgaz.

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*El Entierro del Conde Orgaz, El Greco.*

*   Aunque nunca se llegó a casar, tuvo un hijo con Jerónima de las Cuevas. Se cree que la obra La Dama de Armiño es un retrato que el Greco le hizo en 1580.

¿Conocías estas 10 curiosidades sobre el maestro cretense? Si te interesa el tema te recomendámos El Prado Guía de Arte, una guía artística imprescindible para descubrir y aprender lo esencial de las más grandes obras, artistas y estilos en el Museo del Prado.

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*Información extraída del artículo: shorturl.at/CKUY5*


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