Pedro Pablo Rubens fue un pintor flamenco del siglo XVII, considerado uno de los máximos exponentes del barroco. Su obra abarca una gran variedad de temas, desde religiosos hasta mitológicos, pasando por retratos, paisajes y escenas de caza. Su estilo se caracteriza por el dinamismo, el color y la sensualidad, con una clara influencia de la pintura renacentista italiana, especialmente de Tiziano. Aquí te presentamos seis datos interesantes sobre su vida y su obra:

## 1.Nació en Alemania, pero se formó y trabajó principalmente en Amberes.

Rubens nació en 1577 en Siegen, una ciudad alemana donde su padre había huido por motivos religiosos. Sin embargo, tras la muerte de su padre en 1587, su madre regresó con sus hijos a Amberes, donde Rubens recibió una educación humanista y se inició en el arte. Allí fue aprendiz de varios maestros locales, como Tobias Verhaecht, Adam van Noort y Otto van Veen. En 1600 viajó a Italia, donde permaneció ocho años al servicio del duque de Mantua y estudió las obras de los grandes maestros italianos. A su regreso a Amberes en 1608, fue nombrado pintor de cámara de los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia, gobernadores de los Países Bajos Españoles. Desde entonces, su fama y su clientela se extendieron por toda Europa.

## 2. Fue un exitoso diplomático y hombre de negocios.

Además de pintor, Rubens fue un hombre culto y políglota, que hablaba al menos seis idiomas: flamenco, francés, italiano, latín, español e inglés. Esto le permitió desempeñar misiones diplomáticas para los archiduques y para el rey Felipe IV de España, con quien mantuvo una estrecha relación. Entre sus logros diplomáticos se cuenta la firma del Tratado de Amberes en 1630, que puso fin a la guerra entre España e Inglaterra. Por otro lado, Rubens fue un hábil comerciante de arte, que supo aprovechar el mercado internacional y vender sus obras a precios elevados. También fue coleccionista y poseía una gran cantidad de pinturas, esculturas, libros y antigüedades.

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/81/Pieter_Paul_Rubens_-_Portrait_of_King_Philip_IV_%28Hermitage%29.jpg)

## 3. Dirigió un prolífico taller con numerosos colaboradores.

La enorme demanda de sus obras le obligó a crear un gran taller en el que trabajaban varios discípulos y ayudantes. Entre ellos se destacan Jacob Jordaens, Gaspar de Crayer y Anton van Dyck, quien se convirtió en su principal colaborador y luego en su rival. El método de trabajo consistía en que Rubens realizaba los bocetos o los modelos a pequeña escala, que luego eran ampliados y ejecutados por sus ayudantes bajo su supervisión. Finalmente, él intervenía para dar los últimos retoques y firmar la obra. Así pudo producir alrededor de 1500 pinturas, además de dibujos, grabados, tapices y diseños para otros medios.

## 4. Fue el creador del "rubenismo", un estilo que exalta la belleza femenina.

Una de las características más reconocibles de la pintura de Rubens es la representación de las mujeres con cuerpos voluptuosos, carnosos y sensuales, que contrastan con los cánones clásicos de la belleza ideal. Estas mujeres se conocen como "rubenesques" o "rubenianas" y son el símbolo del "rubenismo", un término que se usa para describir el gusto por lo exuberante y lo opulento en el arte. Algunos ejemplos de este estilo son las Tres Gracias (1635), El juicio de Paris (1639) o El rapto de las hijas de Leucipo (1618).

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f5/The_Three_Graces%2C_by_Peter_Paul_Rubens%2C_from_Prado_in_Google_Earth.jpg/1200px-The_Three_Graces%2C_by_Peter_Paul_Rubens%2C_from_Prado_in_Google_Earth.jpg)

## 5. Se casó dos veces con mujeres mucho más jóvenes que él.

Rubens contrajo matrimonio en 1609 con Isabella Brant, hija de un importante abogado de Amberes. Con ella tuvo tres hijos: Clara Serena, Alberto e Isabel Elena. Isabella murió en 1626 a causa de la peste. Cuatro años después, Rubens se casó con Helena Fourment, sobrina de su primera esposa y 37 años menor que él. Con ella tuvo otros cinco hijos: Clara Juana, Francisco, Isabel Albertina, Pedro Pablo y Constancia Albertina. Helena fue la musa y el modelo de muchas de sus obras, como El sombrero de paja (1625), El jardín del amor (1633) o Las tres gracias (1635).

## 6. Murió a los 62 años a causa de una insuficiencia cardíaca.

Rubens falleció el 30 de mayo de 1640 en su casa de Amberes, rodeado de su familia. Su salud se había deteriorado por la gota, una enfermedad que le impedía pintar con normalidad. Su cuerpo fue enterrado en la iglesia de Santiago, donde había diseñado su propia capilla. Su tumba está adornada con una pintura suya que representa a la Virgen y el Niño con los santos Jorge, Miguel y Catalina.

Si quieres saber más sobre la pintura de Rubens, características técnicas, datos sobre artistas del Renacimiento y, sobre todo, información sobre las más grandes obras del arte que alberga el Museo del Prado de Madrid, te recomendamos  ["El Prado Guía de Arte" ya disponible en Amazon haciendo click aquí.](https://www.amazon.es/dp/8418943424/) Si prefieres comprarlo en librería, [**encuentra tu librería más cercana haciendo click aquí.**](https://www.todostuslibros.com/libros/museo-del-louvre-guia-de-arte_978-84-18943-42-3)

![](/images/1657295044.png)

FUENTES:

*   [Peter Paul Rubens - 615 obras de arte - pintura - WikiArt.org](https://www.wikiart.org/es/peter-paul-rubens)
*   [Pedro Pablo Rubens - Wikipedia, la enciclopedia libre](https://es.wikipedia.org/wiki/Pedro_Pablo_Rubens)
*   [Pedro Pablo Rubens: la vida y obra del influyente pintor barroco](https://mymodernmet.com/es/pedro-pablo-rubens-pintura/)
*   [El juicio de Paris - Colección - Museo Nacional del Prado](https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-juicio-de-paris/918bc2de-00a9-480d-87ba-96ac25f22bf4)
*   [Las 4 OBRAS de RUBENS más importantes - con IMÁGENES!! - unPROFESOR](https://www.unprofesor.com/ciencias-sociales/rubens-obras-importantes-4781.html)



Descubre a Rubens en 6 datos

¿Te gustan el arte y el vino? Si es así, quizás te interese saber que hay una forma de combinar estas dos pasiones: coleccionar etiquetas de vino diseñadas por artistas famosos. Sí, has leído bien. Muchos artistas han prestado su talento y su creatividad para crear etiquetas únicas y originales que adornan las botellas de algunos de los mejores vinos del mundo. En este artículo te contamos todo lo que necesitas saber sobre este fascinante mundo de arte y vino.

La historia de las etiquetas de vino artísticas se remonta al año 1924, cuando el barón Philippe de Rothschild, propietario del prestigioso Château Mouton Rothschild, uno de los cinco primeros crus de Burdeos, encargó al pintor cubista Georges Braque que diseñara la etiqueta de su cosecha de ese año. El barón quería celebrar así el fin de la prohibición del alcohol en Estados Unidos, un mercado muy importante para sus vinos. El resultado fue una etiqueta elegante y moderna, con un motivo geométrico que evocaba la forma de una botella y una copa.

Desde entonces, el barón Philippe de Rothschild continuó con la tradición de encargar cada año a un artista diferente que creara la etiqueta de su vino más emblemático, el Mouton Rothschild. Algunos de los nombres más destacados que han participado en esta iniciativa son Picasso, Miró, Dalí, Chagall, Kandinsky, Warhol, Haring, Bacon, Freud y Kapoor. Cada uno de ellos ha plasmado su estilo y su personalidad en estas pequeñas obras de arte que se han convertido en objetos de deseo para los coleccionistas.

![](https://onlinelicor.es/wp-content/uploads/Pablo-Picasso-Record-Guinness-profesional_TINIMA20111028_1033_19.jpg)

*Pablo Picasso fue uno de los artistas ilustres cuya obra se ha utilizado en etiquetas de vino.*

Pero el Château Mouton Rothschild no es el único que ha recurrido al arte para vestir sus botellas. Otros productores de vino también han colaborado con artistas reconocidos para crear etiquetas originales y atractivas. Por ejemplo, el Château Lafite Rothschild, otro de los primeros crus de Burdeos, ha contado con la colaboración de artistas como Henry Moore, Balthus o Gu Gan. El Château Pichon Longueville Comtesse de Lalande ha encargado sus etiquetas a artistas como Arman, Corneille o Zao Wou-Ki. Y el Château Beychevelle ha confiado en artistas como Antoni Tàpies, Valerio Adami o Nalini Malani.

Estas etiquetas de vino artísticas no solo son una forma de expresar la personalidad y la calidad del vino que contienen, sino también una forma de acercar el arte al público y crear un vínculo emocional entre el productor y el consumidor. Además, son una inversión rentable para los coleccionistas, ya que su valor aumenta con el tiempo y pueden llegar a alcanzar precios muy elevados en las subastas.

![](https://images.ctfassets.net/iv9w9q8xwqpv/201807romitorio-crop.jpg/84a2ec6ec0383c90df068b22d88b43fd/Romitorio-Crop.jpg?fm=jpg&w=1024)

*Algunas de las etiquetas de la mano de grandes artistas de la historia del arte.*

Si te ha picado la curiosidad y quieres saber más sobre este tema, te recomendamos que visites la página web del Museo del Vino Mouton Rothschild (<https://www.musee-mouton.com/>), donde podrás ver todas las etiquetas creadas por los artistas desde 1924 hasta la actualidad. También puedes consultar el libro "Mouton Rothschild: The Paintings for the Labels" (<https://www.amazon.com/Mouton-Rothschild-Paintings-Labels/dp/208030121X>), que recoge las imágenes y las historias detrás de cada una de ellas. Y si tienes la oportunidad, no dudes en probar alguno de estos vinos excepcionales que combinan arte y sabor en cada sorbo.


Los más grandes artistas de la historia que hicieron... ¿etiquetas de vino?

El fauvismo fue un movimiento pictórico de vanguardia que surgió en Francia a principios del siglo XX, entre 1905 y 1907. Su principal característica fue el uso del color puro y arbitrario, sin preocuparse por la representación naturalista de la realidad. Los artistas fauvistas buscaban expresar sus emociones e instintos a través del lenguaje plástico, con trazos sueltos y espontáneos, sin perspectiva ni modelado. El término fauvismo proviene de la palabra francesa fauve, que significa fiera, y fue acuñado por el crítico Louis Vauxcelles al ver las obras de este grupo en el Salón de otoño de 1905.

Entre los principales representantes del fauvismo se encuentran **Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Georges Braque y Raoul Dufy**. Algunos de ellos se inspiraron en artistas postimpresionistas como Paul Gauguin y Vincent van Gogh, que también utilizaron el color de forma subjetiva y expresiva. El fauvismo fue una corriente breve pero influyente, que abrió el camino a otras vanguardias como el cubismo y el expresionismo.

<center>![](https://historia-arte.com/_/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvbWF0aXNzZV92ZXJkZS5qcGciLCJyZXNpemVDcm9wLDYwMCwzMDAsQ1JPUF9CQUxBTkNFIl19.vkKoKaGeGK8Ohi0whN3FY5JQjjBmSF1uVftJAaTqOW8.jpg)</center>

*La raya Verde, Henri Matisse, Museo de Orsay*

## Fauvismo en el museo de Orsay

El museo de Orsay es un museo nacional francés dedicado al arte del siglo XIX y principios del XX, ubicado en París, en la antigua estación ferroviaria de Orsay. El museo alberga una importante colección de pintura impresionista y postimpresionista, así como de escultura, fotografía y artes decorativas. Entre sus obras más destacadas se encuentran La clase de danza de Edgar Degas, El almuerzo sobre la hierba de Édouard Manet, Los jugadores de cartas de Paul Cézanne y El origen del mundo de Gustave Courbet.

El museo de Orsay también posee algunas obras fauvistas. La mayoría de ellas se encuentran **en la sala 33 del nivel 5 del museo**, dedicada al arte moderno entre 1900 y 1914. Entre estas obras se pueden mencionar **La raya verde (Amélie Parayre) de Henri Matisse**, **La chica de Rat Mort de Maurice de Vlaminck, El puente sobre el río Marne en Créteil de André Derain y El puerto de Collioure de Georges Braque**. Estas pinturas muestran el uso intenso y contrastado del color, la simplificación de las formas y la ausencia de profundidad típicos del fauvismo.

Si quieres conocer más sobre otras obras Impresionistas, [te recomendamos "Museo de Orsay Guía de Arte"](https://www.amazon.es/dp/8418943483/), nuestro libro sobre el museo que alberga la mayor cantidad de obra impresionista del mundo, además de una guía de arte imprescindible para descubrir y conocer lo esencial de las grandes obras, artistas y estilos del Museo del Orsay, [disponible en Amazon.](https://www.amazon.es/Museo-Orsay-Gu%C3%ADa-arte-esenciales/dp/8418943483/)

Cómprala aquí: <https://www.amazon.es/dp/8418943483/>

![](/images/1677159480.png)

Fuentes:

Fauvismo: qué es, características, artistas y obras - Cultura Genial <https://www.culturagenial.com/es/fauvismo/>

Fauvismo - ¿Qué fue?, características, antecedentes, artistas y más <https://enciclopediadehistoria.com/fauvismo/>

Museo de Orsay: Pintura <https://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas/pintura.html>


Qué es el fauvismo y dónde puedes ver obras fauvistas

¿Vermeer usó una cámara oscura para pintar sus obras maestras? Esta es la pregunta que se han hecho muchos historiadores del arte al observar la precisión y el realismo de las pinturas del maestro holandés, especialmente las que representan escenas domésticas con personajes en sus actividades cotidianas. En este artículo vamos a analizar dos de sus obras más famosas: La encajera y El astrónomo, que se encuentran actualmente en el Museo del Louvre de París.

## Análisis de 'La encajera' y 'El Astrónomo'

La encajera es una pintura al óleo sobre lienzo, montado sobre madera, que mide 23,9 cm de alto y 20,5 cm de ancho. Se calcula que fue pintada hacia 1669 - 1670, cuando Vermeer estaba en la cima de su madurez artística. La obra muestra a una joven dedicada al encaje, encorvada sobre su trabajo, con una mirada concentrada y unas manos hábiles. El tema de la encajera era frecuente en la literatura y la pintura neerlandesas, como símbolo de las virtudes femeninas domésticas y de la paciencia y el cuidado que requiere esta labor. Vermeer destaca la total concentración de la encajera en su trabajo a través de su postura forzada y el amarillo limón de su ropa, un color activo y psicológicamente intenso. Incluso su peinado representa en parte su estado físico y psíquico, pues está firmemente sujeto pero, al mismo tiempo, fluye en sus tirabuzones.

![](https://arsmagazine.com/wp-content/uploads/2017/06/22.-vermeer_la-dentelliere_louvre-1.jpg)

*La encajera, Vermeer, Museo del Louvre*

El astrónomo es otra pintura al óleo sobre lienzo, que mide 51 cm × 45 cm. Fue pintada alrededor de 1668, y se cree que forma parte de un díptico con El geógrafo, otra obra similar que representa al mismo personaje. Algunos han sugerido que se trata del científico Anton van Leeuwenhoek, un amigo del pintor residente en Delft. La profesión del personaje es simbolizada por el globo celeste (modelo de Jodocus Hondius) y el libro sobre la mesa, titulado Institutiones Astronomicae Geographicae (o Manual de Metius), abierto en el capítulo III, una sección en la que el astrónomo busca la inspiración de Dios. Por último, el cuadro en la pared evoca el descubrimiento de Moisés, representación del conocimiento y la ciencia.

## Vermeer y la *camara obscura*

Estas dos obras tienen en común el uso de la luz y la sombra, el detalle y la perspectiva, que hacen que las figuras parezcan tridimensionales y reales. Algunos expertos han planteado la hipótesis de que Vermeer utilizó una cámara oscura para crear sus pinturas. Esta era una invención que consistía en una caja con un pequeño agujero por el que entraba la luz y proyectaba una imagen invertida de una escena exterior sobre una pared o un papel en el interior de la caja. La cámara oscura permitía captar los efectos lumínicos y las proporciones con mayor exactitud que el ojo humano. Se ha sugerido que Vermeer pudo haber usado este dispositivo como una ayuda para dibujar sus bocetos o para copiar directamente las imágenes proyectadas sobre el lienzo.

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/VERMEER_-_El_astr%C3%B3nomo_%28Museo_del_Louvre%2C_1688%29.jpg/784px-VERMEER_-_El_astr%C3%B3nomo_%28Museo_del_Louvre%2C_1688%29.jpg)

*El astrónomo, Vermeer, Museo del Louvre*

Sin embargo, esta teoría no está exenta de problemas y controversias. Por un lado, no hay evidencia documental ni material de que Vermeer usara una cámara oscura o tuviera acceso a una. Por otro lado, hay aspectos de sus pinturas que no se corresponden con lo que se vería a través de una cámara oscura, como las diferencias de color o los efectos ópticos. Además, se ha argumentado que Vermeer tenía un gran dominio de la técnica pictórica y un profundo conocimiento de la geometría y la óptica, lo que le permitía crear sus obras sin necesidad de recurrir a ningún instrumento artificial. Por último, se ha señalado que el uso de una cámara oscura no resta mérito al genio artístico de Vermeer, sino que más bien demuestra su curiosidad e innovación.

En conclusión, La encajera y El astrónomo son dos ejemplos de la maestría de Vermeer para representar la vida cotidiana con una luz y una perspectiva sorprendentes. La cuestión de si usó o no una cámara oscura para pintar sus obras sigue siendo un debate abierto y fascinante, que nos invita a mirar sus pinturas con más atención y admiración.

Si deseas conocer otros datos sobre obras expuestas el Museo del Louvre y, sobre todo, información sobre las más grandes obras del arte que alberga el Museo del Louvre de París, te recomendamos  ["El Louvre Guía de Arte"](https://www.amazon.es/dp/8418943424/)

[**Ya disponible en Amazon haciendo click aquí. **](https://www.amazon.es/dp/8418943424/)

Si prefieres comprarlo en librería, [**encuentra tu librería más cercana haciendo click aquí.**](https://www.todostuslibros.com/libros/museo-del-louvre-guia-de-arte_978-84-18943-42-3)

![](/images/1669032684.png)


¿Vermeer usó una cámara de fotos para pintar sus obras maestras? 

¿Sabías que la Mona Lisa tiene su propio buzón en el Louvre por todas las cartas de amor que recibe? Así es, la famosa pintura de Leonardo da Vinci ha cautivado a muchos admiradores a lo largo de los siglos, que le han dejado ofrendas de flores, poemas y, sí, notas de amor. Algunos han llegado incluso a extremos insólitos, como el artista Luc Maspero, que supuestamente se suicidó en 1852 saltando desde el balcón de un hotel porque "Durante años he luchado desesperadamente con su sonrisa. Prefiero morir". ¿Quién diría que la apreciación artística podría ser tan oscura?

En este artículo te contaremos más sobre la fascinación que ha generado la Mona Lisa, las razones por las que se ha convertido en un icono cultural y algunos de los secretos que esconde su enigmática expresión. También te mostraremos algunas de las cartas de amor más curiosas que ha recibido la dama del Louvre y cómo puedes enviarle la tuya si te animas. ¡No te lo pierdas!

![](https://images2.minutemediacdn.com/image/upload/c_crop,w_3000,h_1687,x_0,y_63/c_fill,w_720,ar_16:9,f_auto,q_auto,g_auto/images/GettyImages/mmsport/mentalfloss/01h3z3bsh8kgwzzfby58.jpg)

El buzón se encuentra en una sala contigua a la que alberga el retrato, y está decorado con una reproducción del rostro de la enigmática mujer. Allí, los visitantes pueden depositar sus misivas, que son recogidas por el personal del museo y guardadas en un archivo especial.

¿Qué dicen estas cartas? Según algunos testimonios, hay de todo: desde confesiones íntimas hasta preguntas sobre la identidad o el significado de la obra. Algunos le escriben poemas, otros le piden consejo o le cuentan sus problemas. Hay quien le agradece por inspirarle o por acompañarle en momentos difíciles. Y también hay quien le propone matrimonio o le declara su pasión.

No se sabe con exactitud cuándo empezó esta tradición, pero se cree que se remonta al siglo XIX, cuando la Mona Lisa se convirtió en un icono mundial gracias a las reproducciones y las copias que se hicieron de ella. Desde entonces, su popularidad no ha dejado de crecer, y se ha convertido en una de las obras de arte más vistas y fotografiadas de la historia.

![](https://api-www.louvre.fr/sites/default/files/2020-12/leonard-de-vinci-la-joconde-portrait-de-monna-lisa-detail.jpg)

Pero la Mona Lisa también esconde muchos secretos y misterios, que han alimentado la imaginación y la curiosidad de los admiradores. Por ejemplo, ¿quién era la mujer que posó para Leonardo? ¿Qué quería expresar con su sonrisa? ¿Qué símbolos ocultos hay en el cuadro? ¿Es un autorretrato del pintor?

Estas y otras preguntas han sido objeto de numerosas investigaciones y teorías, algunas más verosímiles que otras. Lo cierto es que Leonardo da Vinci nunca terminó del todo la obra, y que siguió trabajando en ella hasta su muerte en 1519. Se cree que la pintó entre 1503 y 1506, y que representa a Lisa Gherardini, la esposa de un rico comerciante de seda florentino llamado Francesco del Giocondo. De ahí que también se le conozca como La Gioconda.

La técnica que empleó Leonardo para pintarla fue muy innovadora para la época, y consistía en aplicar capas muy finas y transparentes de óleo sobre álamo, creando un efecto de profundidad y luminosidad. También usó el sfumato, un método para difuminar los contornos y crear una atmósfera nebulosa. Estos recursos le permitieron crear una obra maestra de la perspectiva y el realismo, que sigue fascinando a millones de personas.

Si tú también eres uno de ellos, y quieres enviarle una carta a la Mona Lisa, puedes hacerlo visitando el Louvre o escribiendo a la dirección postal del museo:

<div style="text-align: center">

*Musée du Louvre*

*Service des publics*

*A l'attention de Mona Lisa*

*75058 Paris Cedex 01*

*Francia*</div>

O quizás prefieras guardar tu mensaje en tu corazón, y contemplarla en silencio la próxima vez que tengas la oportunidad. Sea como sea, recuerda que la Mona Lisa siempre te estará mirando con su sonrisa inolvidable.

Si deseas conocer otros datos sobre el Museo del Louvre y, sobre todo, información sobre las más grandes obras del arte que alberga el Museo del Louvre de París, te recomendamos  ["El Louvre Guía de Arte"](https://www.amazon.es/dp/8418943424/)

[**Ya disponible en Amazon haciendo click aquí. **](https://www.amazon.es/dp/8418943424/)

Si prefieres comprarlo en librería, [**encuentra tu librería más cercana haciendo click aquí.**](https://www.todostuslibros.com/libros/museo-del-louvre-guia-de-arte_978-84-18943-42-3)

![](/images/1669032684.png)


El buzón para amantes de la Mona Lisa en el Louvre

La Gioconda o Mona Lisa es una de las pinturas más famosas y enigmáticas de la historia del arte. Su autor, Leonardo da Vinci, fue un genio renacentista que destacó en múltiples campos del saber y la creación. Su retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, es una obra maestra de la técnica del *sfumato,* que consiste en difuminar los contornos y crear una atmósfera suave y misteriosa.

Pero ¿sabías que existe otra versión de La Gioconda, muy similar a la original, que se conserva en el Museo del Prado de Madrid? Se trata de una copia realizada por uno de los alumnos del taller de Leonardo, probablemente al mismo tiempo que el maestro pintaba su obra. Esta copia, conocida como La Gioconda del Prado, es la más antigua y fiel de las que se conocen, y ofrece una visión más clara y luminosa del retrato, ya que no ha sufrido el oscurecimiento de los barnices como la del Louvre.

![](https://www.elimparcial.es/galerias-noticias/galerias/236598/sala-leonardo-prado3.jpg)

Esta obra, que se encontraba en los depósitos del museo, salió a la luz en 2012 y causó una gran expectación entre el público y los expertos. Durante un tiempo, se exhibió junto a la original en el Louvre, donde se pudo apreciar las diferencias y similitudes entre ambas. Ahora, la copia española se puede ver en una sala del Prado, sin que se le dé demasiado bombo ni platillo.

¿Qué tiene de especial esta versión de la sonrisa más famosa del mundo? Pues que, según algunos, es más bonita y más femenina que la original. Tiene el rostro más redondeado, los ojos más grandes y expresivos, el cabello más suelto y las cejas más marcadas. Además, el fondo oscuro que tenía ha sido restaurado y se ha recuperado el paisaje que Leonardo había pintado. Algunos creen que esta copia es más fiel al aspecto real de Lisa Gherardini, la mujer que posó para el maestro renacentista.

La identidad del autor de esta réplica es un misterio. Se cree que pudo ser uno de los alumnos o colaboradores de Leonardo, que trabajó al mismo tiempo que él o poco después. Algunos apuntan a Andrea Salai, un joven pintor que fue amante y protegido de Leonardo. Otros sugieren a Francesco Melzi, otro discípulo aventajado del genio italiano. Sea quien sea, lo cierto es que esta copia es una joya.

![](https://img2.rtve.es/v/1310346?w=1600&preview=1328130723362.jpg)

La Gioconda del Prado fue descubierta en 2010, cuando se sometió a un proceso de estudio y restauración. Hasta entonces, se creía que era una copia posterior e inferior, ya que tenía un fondo negro que ocultaba el paisaje. Sin embargo, al retirar el fondo se reveló el mismo paisaje que aparece en el original, con las mismas correcciones que hizo Leonardo. Además, se comprobó que el dibujo subyacente era muy similar al de la obra maestra, lo que indica que el copista siguió el mismo proceso de elaboración y contó con la supervisión del maestro.

La Gioconda del Prado es una obra de gran valor histórico y artístico, ya que nos permite apreciar mejor los detalles y los colores del retrato de Leonardo. También nos muestra cómo funcionaba el taller de Leonardo, donde los alumnos aprendían imitando al maestro y colaborando en sus proyectos. La copia no pretende competir con el original, sino complementarlo y enriquecerlo.

Si quieres saber más sobre La Gioconda del Prado, puedes visitar el Museo del Prado o consultar su página web: <https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/la-gioconda-o-mona-lisa-del-taller-de-leonardo-da/9c1f2f9c-8b0a-4b6d-8d3c-7e1f5c9f0b4e>

Y, si te interesa conocer más sobre el museo y su historia, te recomendamos El Prado Guía de Arte, una guía artística imprescindible para descubrir y aprender lo esencial de las más grandes obras, artistas y estilos en el Museo del Prado, entre los que se encuentran algunos de los más grandes artistas de la pintura universal.

Puedes comprarlo en: <https://www.amazon.es/dp/841894336X/>

![](/images/1657615099.png)


La Gioconda del Museo del Prado

La historia del traslado de las obras maestras del Museo del Prado durante la Guerra Civil española es una de las más fascinantes y dramáticas de la cultura nacional. En medio del conflicto, el patrimonio artístico del país se vio amenazado por los bombardeos de la Legión Cóndor, que pretendía destruir el símbolo de la identidad española. Ante este peligro, se organizó una operación sin precedentes para salvar las pinturas de Goya, Velázquez y otros grandes maestros.

![](https://imagenes.elpais.com/resizer/rvIbW-FVHjjwbMVK3tVIrO9b7Tc=/1960x0/arc-anglerfish-eu-central-1-prod-prisa.s3.amazonaws.com/public/WTXHFDQS6VPBKO52LBKAEHJOUM.jpg)

Estas obras, que formaban parte del patrimonio cultural de la República, fueron trasladadas desde Madrid a Valencia, donde se creó el Museo del Prado Delegación. Desde allí, siguieron su ruta hacia Barcelona, donde se instaló el Museo Nacional de Arte de Cataluña. Cuando la derrota republicana se hizo inminente, se decidió evacuar las obras a Francia, donde se les dio asilo político.

El viaje fue arriesgado, pues tuvieron que cruzar la frontera bajo el fuego enemigo. Un total de 71 camiones cargados de obras maestras lograron llegar a Francia y, desde allí, se trasladaron a Ginebra, donde se alojaron en el Palacio de las Naciones. Allí permanecieron hasta que terminó la guerra mundial y se pudo negociar su devolución a España, a donde, afortunadamente, regresaron todas.

El traslado de las obras del Prado fue una hazaña heroica que implicó a numerosas personas e instituciones, tanto nacionales como internacionales. Fue también un acto de resistencia y de defensa de la cultura frente a la barbarie. Gracias a él, se conservaron para la posteridad algunas de las joyas del arte universal, que hoy podemos admirar en el museo más importante de España.

![](https://e00-elmundo.uecdn.es/assets/multimedia/imagenes/2018/06/18/15293405674780.jpg)

El director del Prado durante aquellos años, Pablo Picasso, fue el principal responsable de la operación. En su bolsillo guardaba una nota con las condiciones que exigía a cambio de la devolución de lo usurpado: el fin de la guerra, el restablecimiento de la República y el respeto a la autonomía de Cataluña.

Si te interesa conocer más sobre el museo y su historia, te recomendamos El Prado Guía de Arte, una guía artística imprescindible para descubrir y aprender lo esencial de las más grandes obras, artistas y estilos en el Museo del Prado, entre los que se encuentran algunos de los más grandes artistas de la pintura universal.

Puedes comprarlo en: <https://www.amazon.es/dp/841894336X/>

![](/images/1657615099.png)


El día en que el Museo del Prado se quedó sin cuadros

Aunque muchos consideran que el impresionismo fue una ruptura radical con la tradición, lo cierto es que hubo antecedentes y precursores que abrieron el camino a este movimiento. En este artículo, vamos a analizar dos obras maestras que se encuentran en el Museo del Prado y que son consideradas como los primeros cuadros impresionistas de la historia.

## ¿Qué es el Impresionismo?

El impresionismo fue un movimiento artístico que surgió en Francia a finales del siglo XIX y que se caracterizó por el intento de captar la impresión óptica de la luz y el color sobre los objetos, sin preocuparse por la identidad o el detalle de los mismos. Los pintores impresionistas rechazaron los principios académicos, los grandes temas históricos, mitológicos y religiosos, y el estudio del dibujo. En cambio, se dedicaron a pintar al aire libre, escenas cotidianas de la vida urbana y rural, y paisajes naturales, utilizando pinceladas sueltas, rápidas y espontáneas, que formaban manchas de color que se percibían mejor desde una cierta distancia.

Entre los principales representantes del impresionismo se encuentran Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Camille Pissarro y Paul Cézanne. Algunos de ellos fueron influenciados por pintores paisajistas ingleses como Joseph Mallord William Turner y John Constable, que ya habían explorado los efectos de la luz y el color sobre el paisaje. También se inspiraron en el pintor francés Édouard Manet, que rompió con las convenciones académicas y escandalizó al público con sus obras como El almuerzo sobre la hierba o Olympia.

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg)

*El Almuerzo sobre la hierba, de Manet.*

Entre las características técnicas más destacadas del impresionismo se pueden mencionar las siguientes:

*   Uso de colores puros y complementarios: Los impresionistas no mezclaban los colores en la paleta, sino que los aplicaban directamente sobre el lienzo en pequeñas pinceladas. Así conseguían crear un efecto de vibración y luminosidad. Además, utilizaban colores complementarios (los opuestos en el círculo cromático) para crear contrastes y sombras. Por ejemplo, usaban el verde para matizar el rojo, o el violeta para sombrear el amarillo.

*   Ausencia de claroscuro: Los impresionistas no usaban el claroscuro (el contraste entre luces y sombras) para crear volumen o profundidad. En su lugar, usaban los cambios de color y tono para sugerir la forma y la distancia de los objetos. Así evitaban los negros y los marrones, que consideraban colores sucios y apagados.

*   Pintura al aire libre: Los impresionistas preferían pintar al aire libre, en contacto directo con la naturaleza y la luz natural. Para ello, se valieron de la invención de los tubos de pintura al óleo, que les permitían transportar fácilmente sus materiales. De esta forma, podían captar las variaciones de la luz y el color según las horas del día y las estaciones del año.

*   Representación del instante: Los impresionistas buscaban plasmar la impresión visual del momento, sin preocuparse por la fidelidad o la permanencia de lo representado. Por eso, sus obras tienen un aspecto fugaz e inacabado, que refleja la rapidez con la que trabajaban. También por eso, elegían temas cotidianos y efímeros, como una puesta de sol, un reflejo en el agua, una escena callejera o un baile popular.

*   Perspectiva atmosférica: Los impresionistas usaban la perspectiva atmosférica para crear sensación de profundidad y lejanía. Esta técnica consiste en difuminar los contornos y reducir el contraste y la saturación de los colores conforme se alejan del primer plano. Así se imita el efecto de la atmósfera sobre la visión.

Estas son algunas de las características técnicas del impresionismo, un movimiento que revolucionó la historia del arte y que abrió el camino a las vanguardias del siglo XX, pero que, otras obras anteriores, compartieron y exploraron.

## Impresionismo en Goya y Velázquez

La primera es la Vista del jardín de la Villa Médicis en Roma, pintada por Velázquez en 1630. Se trata de una de las pocas obras de paisaje del genio sevillano, que realizó durante su segundo viaje a Italia. En ella, Velázquez muestra una escena cotidiana y aparentemente sencilla, pero que esconde una gran complejidad técnica y conceptual. El pintor utiliza una pincelada suelta y vibrante, que capta los efectos de la luz y el aire sobre los árboles, las flores y las figuras humanas. El resultado es una obra llena de vida y movimiento, que anticipa el interés de los impresionistas por plasmar las sensaciones visuales y atmosféricas.

<center> ![](https\://img2.rtve.es/i/?w=1600&i=1484051836943.jpg)</center>

La segunda es la Lechera de Burdeos, pintada por Goya en 1827. Se trata de uno de los últimos óleos del maestro aragonés, que realizó durante su exilio en Francia. En ella, Goya retrata a una joven campesina que lleva una jarra de leche en la mano. El pintor utiliza un estilo muy libre y expresivo, que se aleja de los cánones académicos y que busca transmitir la emoción y la personalidad de la modelo. El resultado es una obra llena de fuerza y modernidad, que inaugura el romanticismo y que influye en los impresionistas por su tratamiento de la luz, el color y la forma.

<center>![](https\://1.bp.blogspot.com/-1DxXeS4fiLk/T71ET1vKflI/AAAAAAAAlR4/TSP3efvhaYg/w1200-h630-p-k-no-nu/540px-Goya_MilkMaid.jpg)</center>

Estas dos obras son solo dos ejemplos de cómo el arte es un proceso dinámico y continuo, que se nutre de las influencias del pasado y que prepara el camino al futuro. Por eso, visitar el Museo del Prado es una oportunidad única para disfrutar de la belleza y la historia del arte, y para descubrir las conexiones entre diferentes épocas y estilos.

Si quieres conocer más sobre otras obras Impresionistas, [te recomendamos "Museo de Orsay Guía de Arte"](https://www.amazon.es/dp/8418943483/), nuestro libro sobre el museo que alberga la mayor cantidad de obra impresionista del mundo, además de una guía de arte imprescindible para descubrir y conocer lo esencial de las grandes obras, artistas y estilos del Museo del Orsay, [disponible en Amazon.](https://www.amazon.es/Museo-Orsay-Gu%C3%ADa-arte-esenciales/dp/8418943483/)

Cómprala aquí: <https://www.amazon.es/dp/8418943483/>

![](/images/1677159480.png)


¿Empezó el Impresionismo en España?

¿Sabías que el Museo del Prado estuvo a punto de arder en 1891? No, no se trata de una tragedia real, sino de una ingeniosa estratagema periodística que sirvió para despertar el interés y la preocupación de los madrileños por su patrimonio artístico. Te contamos la historia de cómo un falso incendio salvó al museo más importante de España.

El Museo del Prado se inauguró en 1819 como una pinacoteca pública que albergaba las colecciones reales de pintura y escultura. Durante el siglo XIX, el museo fue ampliando sus fondos con obras procedentes de conventos, iglesias y palacios desamortizados, así como con donaciones y adquisiciones. Sin embargo, el edificio no recibió el mantenimiento adecuado ni las reformas necesarias para adaptarse a las nuevas necesidades. A finales del siglo XIX, el museo estaba prácticamente abandonado, los trabajadores vivían en sus instalaciones y algunas salas se calentaban con hogueras. El gobierno central no reaccionó ante tal situación hasta que Mariano de Cavia publicó una falsa noticia de un incendio en la portada de El Liberal.

<center>![](https\://www\.elindependiente.com/wp-content/uploads/2021/08/incendio-y-robos-en-el-museo.jpg)</center>

Mariano de Cavia era un periodista y escritor que colaboraba con el diario El Liberal, dirigido por José Ortega Munilla, padre del filósofo José Ortega y Gasset. Cavia era un apasionado del arte y un defensor del Museo del Prado, al que visitaba con frecuencia. Ante el estado de abandono y deterioro del museo, decidió lanzar una campaña para concienciar a la opinión pública y al gobierno de la necesidad de proteger y mejorar esta joya de nuestra cultura. Para ello, ideó una noticia falsa que causó un gran impacto: el 8 de marzo de 1891, El Liberal publicó en su portada que el Museo del Prado había sufrido un incendio que había arrasado gran parte de sus obras maestras.

<center>![](https\://s2.abcstatics.com/media/cultura/2018/07/13/cavia-kKGI--620x349\@abc.jpg)

*Mariano de Cavia, periodista que difundió la falsa noticia sobre el incendio*</center>

La noticia era tan detallada y verosímil que muchos lectores se la creyeron y se dirigieron al museo para comprobar el alcance del desastre. Allí se encontraron con que todo era una mentira: el museo estaba intacto, pero también descuidado y olvidado. La reacción de los madrileños ante este hipotético destrozo fue de tal estupefacción que el Estado se vio obligado a emprender reformas y cuidar mejor el museo. El propio Cavia se encargó de desmentir la noticia al día siguiente, explicando que se trataba de una broma con fines pedagógicos y culturales.

La falsa noticia del incendio del Museo del Prado fue una genialidad periodística que logró movilizar a la sociedad y al gobierno en favor del arte. Gracias a ella, el museo recibió más atención, recursos y visitantes, y se convirtió en lo que es hoy: uno de los museos más importantes y prestigiosos del mundo.

Si te interesa conocer más sobre el museo, te recomendamos El Prado Guía de Arte, una guía artística imprescindible para descubrir y aprender lo esencial de las más grandes obras, artistas y estilos en el Museo del Prado, entre los que se encuentran algunos de los más grandes artistas de la pintura universal.

Puedes comprarlo en: <https://www.amazon.es/dp/841894336X/>

![](/images/1657615099.png)


El incendio que salvó el Museo del Prado

El impresionismo es un movimiento artístico que surgió en Francia en la segunda mitad del siglo XIX y que se caracterizó por una nueva forma de representar la realidad, basada en la captación de la luz y el color, así como en la expresión de la sensación visual del momento. Los impresionistas rompieron con las normas académicas y los temas tradicionales de la pintura, y se dedicaron a plasmar la vida moderna, el paisaje urbano y rural, y las escenas cotidianas, con una pincelada suelta y vibrante. ¿Por qué todo esto se considera el pistoletazo de salida para la pintura "moderna"?

## El Impresionismo como punto de partida de la modernidad

El impresionismo se considera el inicio de la pintura moderna porque supuso una ruptura con el arte anterior y abrió el camino a las vanguardias del siglo XX. Los impresionistas fueron los primeros en cuestionar el papel del arte y del artista en la sociedad, y en experimentar con nuevas técnicas y materiales. Además, fueron los primeros en organizar exposiciones independientes, al margen de los salones oficiales, y en buscar el apoyo del público y de los críticos.

Los antecedentes del impresionismo se encuentran en los paisajistas ingleses del siglo XVIII, como John Constable y William Turner, que influyeron en la visión de la naturaleza y de la atmósfera de los pintores franceses. También se considera precursor del impresionismo a Édouard Manet, que rompió con las convenciones del realismo y del romanticismo, y que escandalizó al público con sus obras provocadoras, como El almuerzo sobre la hierba o Olympia. Otros pintores que prepararon el terreno para el impresionismo fueron los integrantes de la escuela de Barbizon, como Jean-Baptiste Camille Corot o Théodore Rousseau, que practicaron el plein air (pintar al aire libre) y que se interesaron por los efectos de la luz natural sobre el paisaje.

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg)

*"El almuerzo sobre la hierba" de Manet se considera uno de los puntos de salida de este movimiento.*

Los principales representantes del impresionismo fueron Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Edgar Degas, Berthe Morisot y Paul Cézanne. Estos artistas se conocieron en París y formaron un grupo cohesionado por su rechazo al arte oficial y su búsqueda de una nueva estética. Entre 1874 y 1886 realizaron ocho exposiciones colectivas, donde mostraron sus obras al público y recibieron el apelativo de "impresionistas" por parte de un crítico que se burló del cuadro Impresión: sol naciente de Monet.

## El Impresionismo más allá del movimiento

Los impresionistas compartían algunos principios estéticos, como el uso de colores puros y complementarios, sin mezclarlos en la paleta sino directamente sobre el lienzo; la pincelada gestáltica, es decir, rápida y visible, que sugería más que definía las formas; la forma como resultado de la combinación de luces y sombras, sin recurrir al dibujo ni al claroscuro; y la perspectiva aérea, basada en la gradación del color según la distancia. Sin embargo, cada uno de ellos tenía su propio estilo y sus propias preferencias temáticas. Por ejemplo, Monet se centró en el paisaje y en los cambios atmosféricos; Renoir se especializó en el retrato y en las escenas festivas; Degas se interesó por el mundo del ballet y del espectáculo; Morisot se dedicó a plasmar la intimidad femenina; y Cézanne exploró las formas geométricas de la naturaleza.

![](https://diarioacoruna.com/wp-content/uploads/2022/01/225404.jpg)

*Sorolla fue uno de los artistas influenciado por el Impresionismo.*

El impresionismo tuvo una gran difusión e influencia en otros países europeos y americanos, donde surgieron diversos pintores que siguieron sus postulados o los adaptaron a sus propias realidades. Algunos ejemplos son Alfred Sisley en Inglaterra, Max Liebermann en Alemania, James Abbott McNeill Whistler en Estados Unidos o Joaquín Sorolla en España. Asimismo, el impresionismo fue el punto de partida para otros movimientos posteriores, como el neoimpresionismo, el postimpresionismo o el fauvismo, que llevaron más lejos la experimentación con el color y la forma, y que sentaron las bases del arte abstracto.

Si quieres conocer más sobre otras obras Impresionistas, [te recomendamos "Museo de Orsay Guía de Arte"](https://www.amazon.es/dp/8418943483/), nuestro libro sobre el museo que alberga la mayor cantidad de obra impresionista del mundo, además de una guía de arte imprescindible para descubrir y conocer lo esencial de las grandes obras, artistas y estilos del Museo del Orsay, [disponible en Amazon.](https://www.amazon.es/Museo-Orsay-Gu%C3%ADa-arte-esenciales/dp/8418943483/)

Cómprala aquí: <https://www.amazon.es/dp/8418943483/>

![](/images/1677159480.png)


Artículos