El Museo del Prado es una de las pinacotecas más importantes del mundo, que alberga obras maestras de la pintura española, italiana, flamenca y de otras escuelas europeas. Su origen se remonta a las colecciones reales que los monarcas españoles fueron adquiriendo y ampliando a lo largo de los siglos, con especial predilección por artistas como Tiziano, El Bosco, Rubens, Velázquez o Goya. En este artículo vamos a explorar algunos aspectos interesantes sobre el arte relacionado con el Museo del Prado, tanto en su historia como en su influencia.

## 1.  Inicios del Museo del Prado

El Museo del Prado se fundó en 1819 como Real Museo de Pintura y Escultura, en el edificio diseñado por Juan de Villanueva, que originalmente iba a ser un gabinete de ciencias naturales. El primer director fue el pintor Fernando Brambila, que se encargó de seleccionar y organizar las obras que se exhibirían al público. El museo abrió sus puertas con 311 pinturas, la mayoría de ellas procedentes del Real Sitio de San Lorenzo de El Escorial. Entre ellas se encontraban obras de Tiziano, Tintoretto, Veronese, Ribera o Zurbarán.



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## 2. El Bosco y el Museo del Prado

El Museo del Prado posee la mayor colección de obras de El Bosco, el enigmático pintor flamenco del siglo XV que creó escenas fantásticas y simbólicas sobre el destino de la humanidad. Entre sus obras más famosas se encuentra el Tríptico del Jardín de las Delicias, que representa el Paraíso, el Infierno y un falso Edén lleno de pecados y placeres. El tríptico fue adquirido por Felipe II, gran admirador del artista, y se instaló en su dormitorio en El Escorial. Otras obras destacadas de El Bosco son el Tríptico de la Adoración de los Magos, el Tríptico del Carro de Heno y la Mesa de los Pecados Capitales.

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## 3. El Prado es el museo con mayor colección de pintura del Siglo de Oro

El Museo del Prado cuenta con la mejor colección de pintura española del siglo XVII, el llamado Siglo de Oro, que fue una época de esplendor artístico y cultural en España. Entre los pintores más representativos se encuentran Velázquez, el pintor de cámara de Felipe IV, que retrató magistralmente a la familia real, la corte y la sociedad de su tiempo, con obras como Las Meninas, Las Hilanderas o Las Lanzas; Zurbarán, el maestro del claroscuro y la devoción religiosa, que plasmó escenas bíblicas y santos con gran realismo y dramatismo, como en La Defensa de Cádiz contra los ingleses o El Agnus Dei; Murillo, el pintor más popular y apreciado por el público, que cultivó temas religiosos y costumbristas con una pincelada suelta y luminosa, como en La Inmaculada Concepción o Los Niños de la Concha; y Valdés Leal, el pintor más barroco y expresivo, que reflejó la decadencia y la muerte con imágenes impactantes y macabras, como en Finis Gloriae Mundi o In Ictu Oculi.

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## 4. El Prado no solo es España

El Museo del Prado también alberga una excelente colección de pintura francesa e italiana hasta 1800, con obras de artistas como Rafael, Tiziano, Veronese, Caravaggio, Poussin o Claudio de Lorena. Entre ellas destaca La Sagrada Familia conocida como La Perla, una obra maestra del Renacimiento italiano realizada por Rafael para el banquero Agostino Chigi. La obra representa a la Virgen María con el Niño Jesús en brazos, acompañados por San José y San Juan Bautista niño. La composición es armoniosa y equilibrada, con un delicado tratamiento de la luz y el color. La obra debe su nombre a que Felipe IV la consideraba "la perla" de su colección.

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## 5. El Prado y el siglo XIX

El Museo del Prado también posee una importante colección de pintura del siglo XIX, que refleja los cambios políticos, sociales y culturales que se produjeron en España y en Europa en esa época. Entre los pintores más destacados se encuentran Goya, el genio de la pintura española, que retrató con maestría y crítica la realidad de su tiempo, desde la Guerra de la Independencia hasta la invasión francesa, pasando por la vida cotidiana y las costumbres populares. Sus obras más emblemáticas son Los Fusilamientos del 3 de Mayo, La Familia de Carlos IV, La Maja Desnuda o Los Caprichos; Vicente López, el pintor neoclásico por excelencia, que se especializó en el retrato de la alta sociedad y de personajes ilustres, como Fernando VII, el Duque de Wellington o el Marqués de las Amarillas; Federico de Madrazo, el pintor romántico por antonomasia, que cultivó el retrato de estilo elegante y refinado, con influencias francesas e inglesas, como en La Condesa de Vilches o La Duquesa de Alba; o Sorolla, el pintor impresionista por excelencia, que captó con maestría la luz y el color del Mediterráneo, con escenas de playa, paisajes y retratos llenos de vida y alegría, como en Paseo a orillas del mar o Niños en la playa.

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Esperamos que este artículo te haya gustado y te haya ayudado a conocer mejor el Museo del Prado, uno de los pintores más geniales e influyentes de la historia del arte. Si deseas conocer otros datos sobre este museo y su obra, características técnicas y, sobre todo, información sobre las más grandes obras del arte que alberga el Museo del Prado de Madrid, te recomendamos  ["El Prado Guía de Arte" ya disponible en Amazon haciendo click aquí.](https://www.amazon.es/dp/8418943424/) Si prefieres comprarlo en librería, [**encuentra tu librería más cercana haciendo click aquí.**](https://www.todostuslibros.com/libros/museo-del-louvre-guia-de-arte_978-84-18943-42-3)

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El Museo del Prado: arte e historia

En es artículo vamos a hablar de uno de los pintores más importantes del Renacimiento italiano: Jacopo Robusti, más conocido como Tintoretto. Su obra se caracteriza por el uso de la luz, el color y el movimiento, así como por su influencia en artistas posteriores como Rubens o Velázquez. Sin embargo, su vida estuvo marcada por curiosos eventos, así que acompáñanos a descubrir la vida y la obra de este genio de la pintura.

## 1 Su apodo se debe a su padre.

El padre de Tintoretto era un tintorero, es decir, un artesano que teñía telas. Por eso, su hijo recibió el sobrenombre de Tintoretto, que significa "pequeño tintorero" en italiano.

## 2 Fue discípulo de Tiziano.

Tintoretto admiraba profundamente a Tiziano, el maestro de la escuela veneciana. Según la leyenda, se coló en su taller para copiar sus obras y aprender sus técnicas. Sin embargo, Tiziano no apreciaba su talento y lo expulsó de su estudio.

## 3 Era un trabajador incansable.

Tintoretto tenía una gran pasión por la pintura y dedicaba todo su tiempo a perfeccionar su arte. Se dice que dormía solo cuatro horas al día y que tenía un lema en su taller: "El dibujo de Miguel Ángel y el color de Tiziano".

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*El Rapto de Helena, Museo del Prado.*

## 4 Pintó más de 700 cuadros.

La producción artística de Tintoretto fue enorme y abarcó diversos temas: religiosos, mitológicos, históricos, retratos, etc. Entre sus obras más famosas se encuentran "El lavatorio de los pies", "Las bodas de Caná", "El paraíso" o "La última cena".

## 5 Fue un innovador en el uso de la perspectiva.

Tintoretto fue uno de los primeros pintores en utilizar la perspectiva aérea, es decir, la técnica que consiste en crear una sensación de profundidad y distancia mediante el cambio de tono y nitidez de los objetos según su lejanía. También empleó la perspectiva escorzada, que consiste en representar las figuras con ángulos extremos para crear un efecto dramático.

## 6 Creó escenas llenas de dinamismo y emoción.

Tintoretto se alejó del ideal clásico de belleza y armonía y buscó plasmar la realidad con toda su intensidad y complejidad. Sus cuadros muestran escenas llenas de acción, movimiento y expresividad, donde las figuras se entrelazan y se iluminan con contrastes fuertes.

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*Moisés salvado de las aguas, Museo del Prado.*

## 7 Fue un maestro del claroscuro.

El claroscuro es la técnica que consiste en crear contrastes entre luces y sombras para resaltar el volumen y el relieve de las formas. Tintoretto fue un experto en esta técnica y la utilizó para crear atmósferas dramáticas y misteriosas en sus obras.

## 8 Tuvo una gran influencia en el arte posterior.

La obra de Tintoretto anticipó algunos rasgos del Barroco, como el uso del color, la luz y el movimiento para crear efectos teatrales y emocionales. Su estilo influyó en pintores como Rubens, Velázquez, Rembrandt o El Greco.

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8 curiosidades para descubrir a Tintoretto

El arte no se crea en el vacío, sino que se nutre de las influencias, referencias y homenajes de los artistas que lo preceden. A lo largo de la historia, muchos creadores han reinterpretado, versionado o emulado obras de arte anteriores, ya sea por admiración, crítica o experimentación. En este artículo vamos a ver cuatro ejemplos de obras de arte que establecen un diálogo con el pasado y que nos invitan a reflexionar sobre el significado y el valor del arte.

## Olympia de Édouard Manet

Una de las obras más famosas y escandalosas del impresionismo francés es Olympia, pintada por Édouard Manet en 1863. Se trata de un desnudo femenino que mira al espectador con una actitud desafiante y que está acompañada por una sirvienta negra que le ofrece un ramo de flores. La obra causó una gran polémica por su realismo crudo y su ruptura con los cánones de la belleza clásica.

Sin embargo, Olympia no es una obra original, sino que se inspira en la Venus de Urbino, una pintura renacentista de Tiziano realizada en 1538. En ella, vemos también a una mujer desnuda que mira al espectador, pero con una expresión más dulce y recatada. Está rodeada de elementos simbólicos que aluden a su condición de esposa fiel y madre fecunda, como el perro dormido, el cofre o las rosas.

Manet transforma la Venus de Urbino en una prostituta moderna que desafía las convenciones sociales y morales de su época. Con su obra, Manet cuestiona los ideales estéticos y éticos del arte académico y propone una nueva forma de representar la realidad.

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[Olympia](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5c/%C3%89douard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_3.jpg/1200px-%C3%89douard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_3.jpg) (1863) de Édouard Manet. Museo d'Orsay, París.

[Venus de Urbino](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2c/Tizian_102.jpg/1200px-Tizian_102.jpg) (1538) de Tiziano. Galería Uffizi, Florencia.

## Las Meninas de Pablo Picasso

Otro ejemplo de reinterpretación artística es la serie de 58 obras que Pablo Picasso dedicó a Las Meninas, el famoso cuadro de Diego Velázquez pintado en 1656. Se trata de una obra maestra del barroco español que representa una escena cotidiana en la corte del rey Felipe IV, con la infanta Margarita como protagonista y el propio Velázquez como autorretrato.

Picasso admiraba profundamente a Velázquez y decidió estudiar su obra desde diferentes perspectivas y estilos. Entre agosto y diciembre de 1957, Picasso realizó varias versiones de Las Meninas, desde las más fieles hasta las más abstractas, pasando por el cubismo, el expresionismo y el surrealismo. Con su serie, Picasso no solo rinde homenaje a Velázquez, sino que también explora las posibilidades del lenguaje pictórico y su propia identidad como artista.

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[Las Meninas](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9d/Las_Meninas%2C_by_Diego_Vel%C3%A1zquez%2C_from_Prado_in_Google_Earth.jpg/1200px-Las_Meninas%2C_by_Diego_Vel%C3%A1zquez%2C_from_Prado_in_Google_Earth.jpg) (1656) de Diego Velázquez. Museo del Prado, Madrid.

[Las Meninas](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/4/4c/PicassoLasMeninas1957.jpg/1200px-PicassoLasMeninas1957.jpg) (1957) de Pablo Picasso. Museo Picasso, Barcelona.

## El grito de Munch

Una de las obras más icónicas y universales del arte moderno es El grito, del pintor noruego Edvard Munch. Se trata de una serie de cuatro obras realizadas entre 1893 y 1910, que representan una figura andrógina que expresa su angustia existencial con un gesto de horror. La obra es una de las precursoras del expresionismo y refleja el sentimiento de alienación y soledad del ser humano en la sociedad industrial.

El grito tiene una clara influencia de otra obra anterior, La parábola de los ciegos, del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Se trata de un cuadro del siglo XVI que ilustra un pasaje bíblico en el que seis ciegos se dirigen a un precipicio. La obra es una crítica a la ignorancia y la superstición de la época.

Munch se inspira en la composición y el colorido de Brueghel para crear su propia versión de la desesperación humana. Sin embargo, Munch no representa una escena religiosa o moral, sino una experiencia personal y subjetiva. Con su obra, Munch inaugura una nueva forma de expresar las emociones y los estados psicológicos a través del arte.

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[El grito](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f4/The_Scream.jpg/1200px-The_Scream.jpg) (1893) de Edvard Munch. Galería Nacional de Noruega, Oslo.

[La parábola de los ciegos](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8c/Pieter_Bruegel_the_Elder_-_The_Parable_of_the_Blind_Leading_the_Blind_-_Google_Art_Project.jpg/1200px-Pieter_Bruegel_the_Elder_-_The_Parable_of_the_Blind_Leading_the_Blind_-_Google_Art_Project.jpg) (1568) de Pieter Brueghel el Viejo. Museo di Capodimonte, Nápoles.

## Marilyn Monroe de Andy Warhol

Por último, no podemos dejar de mencionar una de las obras más representativas del arte pop, el movimiento artístico que surgió en los años 50 y 60 y que se caracteriza por utilizar imágenes y objetos de la cultura popular y de consumo masivo. Uno de sus máximos exponentes fue el artista estadounidense Andy Warhol, que utilizó la técnica de la serigrafía para crear obras basadas en fotografías e iconos mediáticos.

Uno de sus temas recurrentes fue la actriz Marilyn Monroe, a la que dedicó varias series de obras tras su muerte en 1962. Warhol tomó como referencia una fotografía publicitaria de la película Niagara (1953) y la reprodujo en diferentes colores y combinaciones. Con su obra, Warhol no solo homenajea a la estrella de Hollywood, sino que también reflexiona sobre la fama, la muerte y la banalización de la imagen.

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[Marilyn Monroe](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/e/e3/Marilyn_Monroe_by_Andy_Warhol_%281963%29.jpg/1200px-Marilyn_Monroe_by_Andy_Warhol_%281963%29.jpg) (1962) de Andy Warhol. Tate Modern, Londres.

[Fotografía publicitaria](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1f/Marilyn_Monroe_in_Niagara.png/1200px-Marilyn_Monroe_in_Niagara.png) (1953) de Niagara. 20th Century Fox.

Estos son solo algunos ejemplos de obras de arte que homenajean o versionan obras de arte anteriores, pero hay muchos más. El arte es un lenguaje vivo que se renueva constantemente gracias al diálogo entre los artistas y sus referentes.

Te invitamos a descubrir otras obras que te sorprendan por sus similitudes o diferencias con otras que ya conoces en nuestra colección de libros Grandes Museos. Con estos libros podrás descubrir artistas junto a su obra, características técnicas, datos y, sobre todo, información sobre las más grandes obras del arte que albergan los principales museos del mundo. Si, por ejemplo, quieres conocer el Museo del Prado de Madrid, te recomendamos ["El Prado Guía de Arte" ya disponible en Amazon haciendo click aquí.](https://www.amazon.es/dp/8418943424/) Si prefieres comprarlo en librería, [**encuentra tu librería más cercana haciendo click aquí.**](https://www.todostuslibros.com/libros/museo-del-louvre-guia-de-arte_978-84-18943-42-3)

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Obras de arte que dialogan con el pasado

Cézanne nació en 1839 en Aix-en-Provence, y se trasladó a París en 1861 para estudiar arte. Allí conoció a Camille Pissarro, con quien desarrolló una estrecha amistad y colaboración artística. Juntos exploraron las posibilidades del color, la luz y la forma, y crearon obras que rompieron con las convenciones académicas y anticiparon el nacimiento del cubismo.

Paul Cézanne fue un perfeccionista en lo que respecta a su arte. El pintor impresionista francés se estresaba tanto con su trabajo que a menudo se le conocía por rasgar lienzos y destruirlos. Al pintar al aire libre, algunas de estas pinturas terminaban siendo arrojadas a los arbustos por el artista frustrado. Una vez lo vieron tratando de recuperar una pintura de un gran árbol después de haberse calmado.

El museo de Orsay, [que es junto al Museo del Louvre, ](https://www.amazon.es/Museo-del-Louvre-Gu%C3%ADa-arte/dp/8418943424)uno de los más famosos y visitados de París, y alberga una impresionante colección de obras impresionistas y postimpresionistas. Entre ellas, se destacan las pinturas de Paul Cézanne, uno de los artistas más influyentes e innovadores de su época.

En el museo de Orsay se pueden admirar algunas de las mejores obras de Cézanne, que abarcan diferentes géneros y etapas de su carrera. Entre ellas, destacan *Los jugadores de carta*s (entre 1890 y 1895): una serie de cinco cuadros que representan escenas cotidianas de campesinos jugando a las cartas en una taberna. Cézanne simplificó las formas y los colores, y creó una composición equilibrada y armoniosa.

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Cézanne es considerado como el padre del post-impresionismo, un movimiento artístico que buscaba ir más allá de la representación naturalista de la luz y el color para explorar la expresión personal y la forma. Su obra influyó en artistas como Picasso, Matisse y Braque, que admiraban su uso de la geometría y la perspectiva.

Sin embargo, Cézanne no siempre fue reconocido por su talento y originalidad. Durante gran parte de su vida, sufrió el rechazo de la crítica y el público, lo que aumentó su inseguridad y su perfeccionismo patológico. A pesar de tener amigos como Monet y Renoir, se sentía incomprendido y aislado. Su carácter irascible y exigente también le causó problemas con su familia y su amante.

Otra obra que muestra la obsesión por la perfección del pintor fue *Manzanas y naranjas* (1899): una naturaleza muerta que muestra una mesa con frutas, platos y una jarra. Cézanne jugó con la perspectiva y la geometría, y creó un efecto de profundidad y volumen con el contraste de tonos cálidos y fríos.

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Cézanne dedicó su vida a su arte, pero nunca quedó satisfecho con sus resultados. Su búsqueda incansable de la perfección lo llevó a crear obras maestras, pero también a sufrir una gran angustia. Su legado es el de un genio incomparable, pero también el de un hombre atormentado por sus propios demonios.

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Cézanne: de perfeccionista patólogico a padre del post-impresionismo

La vida amorosa de Vincent Van Gogh fue igual de tormentosa que su vida artística. Las dos grandes pasiones del pintor acabaron siendo unas fuentes de frustración que han marcado toda su vida. En 1881 se enamoró de su prima, ocho años mayor que él y que acababa de enviudar. Su nombre era Kee Stricker y era la viuda de un primo hermano de Vincent. El pintor le propuso matrimonio, pero ella lo rechazó rotundamente, diciéndole que prefería tirarse al fuego antes que casarse con él. Vincent, desesperado, intentó quemarse la mano en una lámpara para demostrarle su amor, pero su padre lo detuvo a tiempo.

Este episodio marcó el inicio de una serie de desengaños amorosos que influyeron en la obra de Van Gogh. El pintor buscaba el amor en mujeres que no le correspondían o que tenían una vida difícil. Así, se enamoró de Sien Hoornik, una prostituta embarazada a la que acogió en su casa y con la que convivió durante dos años. Sin embargo, la relación se deterioró por los celos y las discusiones, y Van Gogh terminó abandonándola. Sien se suicidó unos años después.

Otra mujer que marcó la vida de Van Gogh fue Agostina Segatori, la dueña del Café du Tambourin, donde el pintor solía exponer sus obras. Agostina era una modelo italiana que había posado para varios artistas famosos, como Corot o Manet. Van Gogh se sintió atraído por ella y mantuvo una relación durante unos meses, pero ella lo dejó cuando el pintor empezó a tener problemas económicos y de salud.

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*Agostina Segatori, Van Gogh Museum.*

En 1888, Van Gogh se instaló en Arlés, donde alquiló una casa amarilla para crear un taller de artistas. Allí conoció a Paul Gauguin, con quien entabló una amistad y una rivalidad artística. Algunos biógrafos han sugerido que entre ellos hubo algo más que una simple amistad, basándose en las cartas que se intercambiaban y en los retratos que se hicieron el uno al otro. Sin embargo, no hay pruebas concluyentes de que hubiera una relación homosexual entre ellos.

Lo que sí sabemos es que Van Gogh tuvo un altercado con Gauguin el 23 de diciembre de 1888, cuando el primero le amenazó con una navaja y luego se cortó parte de la oreja izquierda. Al día siguiente, Van Gogh le regaló el trozo de oreja a una prostituta llamada Rachel, a la que le dijo: "Guárdala cuidadosamente". Este gesto ha sido interpretado como una muestra de amor o como un acto de locura.

El último amor de Van Gogh fue Marguerite Gachet, la hija del doctor que lo atendió en sus últimos meses de vida. Marguerite tenía 19 años y era aficionada al dibujo. Van Gogh le hizo dos retratos y le dedicó algunas cartas. Sin embargo, el padre de Marguerite se opuso a la relación y prohibió a su hija ver al pintor. Van Gogh se sintió rechazado una vez más y cayó en una profunda depresión. El 27 de julio de 1890 se disparó en el pecho y murió dos días después.

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*Marguerite Gachet in the Garden, Museo de Orsay.*

La obra de Van Gogh refleja sus sentimientos y sus estados de ánimo a lo largo de su vida. Sus colores vivos y sus pinceladas expresivas muestran su pasión y su intensidad emocional, pero también su angustia y su soledad. Sus autorretratos son testimonios de su evolución personal y artística, así como de sus heridas físicas y psicológicas. Sus paisajes son refugios donde busca la paz y la armonía con la naturaleza. Sus retratos son homenajes a las personas que conoció y amó, pero también a las que sufrieron como él.

Van Gogh fue un artista incomprendido en su época, pero también un hombre que buscó el amor sin encontrarlo. Su obra es el legado de un genio que pintó con el corazón y que nos dejó una huella imborrable en la historia del arte.

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Referencias:

*   Los amores de Van Gogh | Las mujeres que fueron su trágica inspiración. Supercurioso. <https://supercurioso.com/amores-de-van-gogh/>

*   La vida amorosa de Vincent Van Gogh. Monografias.com. <https://www.monografias.com/trabajos96/vida-amorosa-vincent-van-gogh/vida-amorosa-vincent-van-gogh>

*   Vincent Van Gogh 10 preguntas sin respuesta. UFE-Pérou. <http://ufe-perou.com/es/cultura/vincent-van-gogh-10-preguntas-sin-respuesta/>

*   La vida amorosa de Vincent Van Gogh... El Mundo de Van Gogh. <https://www.facebook.com/VanGoghEspana/posts/la-vida-amorosa-de-vincent-van-gogh-fue-igual-de-tormentosa-que-su-vida-artístic/738742296316365/>

*   Van Gogh: seis amores frustrados seis. Cincuentopía y más. <https://cincuentopia.com/van-gogh-seis-amores-frustrados-seis/>



La tortuosa vida amorosa de Vincent Van Gogh a través de su obra

Tiziano Vecellio fue uno de los pintores más importantes del Renacimiento italiano y el máximo exponente de la escuela veneciana. Nacido en el seno de una familia acomodada en Pieve di Cadore, cerca de Venecia, hacia 1490, Tiziano inició su formación artística en el taller de los hermanos Bellini y luego colaboró con Giorgione, con quien desarrolló un estilo caracterizado por el uso del color y la luz.

Se tiene constancia de que el viejo maestro veneciano Tiziano vivió más de 100 años, de 1474 a 1576 y se sabe que pintó 400 cuadros a largo de su dilatada carrera , de los que se conservan 300. Su último cuadro fue una versión muy oscura de la Piedad, con la que pretendía decorar su propia tumba. A lo largo de esta dilatada carrera, que se extendió hasta su muerte en Venecia en 1576, Tiziano realizó obras maestras de diversos géneros, como retratos, paisajes, escenas religiosas y mitológicas. Entre sus clientes se encontraban los más poderosos gobernantes de su época, como el emperador Carlos V, el papa Paulo III o el rey Felipe II de España, para quien pintó sus famosas "poesías", unas escenas mitológicas que derrochan lujuria, historias de amor y muerte.

El Museo del Prado posee la mayor y mejor colección de obras de Tiziano fuera de Italia, gracias a la estrecha relación que el pintor mantuvo con la monarquía española. Entre las joyas que se pueden admirar en el museo madrileño se encuentran algunos de sus retratos más emblemáticos, como el de Carlos V a caballo en Mühlberg, el de Isabel de Este o el de Felipe II.

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*Carlos V a caballo en Mühlberg, Museo del Prado.*

También destacan sus obras religiosas, como la Última Cena, la Dolorosa o la Magdalena Penitente, que muestran su capacidad para expresar la emoción y la espiritualidad de los personajes. Asimismo, el Prado alberga algunas de sus composiciones más complejas y originales, como la Religión socorrida por España, la Gloria o el Entierro de Cristo.

Pero sin duda, el conjunto más sobresaliente y singular que se puede contemplar en el Prado son las "poesías" que Tiziano realizó para Felipe II entre 1551 y 1562. Se trata de seis cuadros basados en fuentes clásicas, como Ovidio o Boccaccio, que representan episodios mitológicos con un alto contenido erótico y simbólico. Las obras son: Danae recibiendo la lluvia de oro, Venus y Adonis, Perseo y Andrómeda, Diana y Acteón, Diana y Calisto y el Rapto de Europa.

Estas pinturas son consideradas como las cumbres del arte ticianesco y del Renacimiento en general, por su belleza formal, su riqueza cromática, su expresividad narrativa y su innovación conceptual. Tiziano concibió estas obras como un conjunto armónico que debía ser contemplado en un espacio privado e íntimo, donde el espectador pudiera recrearse en las historias y las emociones que suscitaban.

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/Tizian_085.jpg/1200px-Tizian_085.jpg)

*Rapto de Europa, Museo del Prado.*

El Prado logró reunir por primera vez desde el siglo XVI las seis "poesías" de Tiziano en una exposición histórica que se pudo visitar hasta el 4 de julio de 2021. La muestra permite apreciar la genialidad del pintor veneciano y su influencia en generaciones posteriores de artistas. Además, se exhiben otras obras relacionadas con las "poesías", como copias, grabados o pinturas inspiradas en ellas.

Tiziano fue un artista excepcional que supo plasmar con maestría la realidad y la fantasía, lo humano y lo divino, lo sensual y lo trágico. Su obra es un testimonio de su larga vida dedicada al arte y de su capacidad para renovarse y adaptarse a los gustos y demandas de su tiempo. El Museo del Prado ofrece una oportunidad única para conocer y disfrutar de este gran maestro del Renacimiento, que sigue fascinando y emocionando a los amantes del arte.

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Tiziano: una vida de más de 100 años de arte

Pedro Pablo Rubens fue uno de los pintores más importantes y prolíficos del siglo XVII, cuya obra abarca diversos temas como la mitología, la historia, el naturalismo o la religión. Pero además de ser un gran artista, Rubens también fue un hombre culto e interesado por la ciencia, especialmente por la astronomía. En algunas de sus obras, se pueden apreciar referencias y homenajes a los descubrimientos astronómicos de su época, como los que realizó Galileo Galilei con su telescopio.

En este artículo, vamos a ver dos ejemplos de cómo Rubens plasmó en sus lienzos su admiración por el cosmos y por los avances científicos que revolucionaron la visión del universo en el siglo XVII.

## El nacimiento de la Vía Láctea

Esta obra, que se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, representa el mito del origen de la Vía Láctea según la mitología romana. Según el relato de Higinio en su Poeticon Astronomicon, el dios Júpiter colocó a uno de sus hijos bastardos, Hércules o Mercurio, en el pecho de su esposa Juno mientras ella dormía, para que bebiera de su leche y se hiciera inmortal. Al despertar Juno y darse cuenta del engaño, arrojó al niño lejos de ella y su leche se derramó por el cielo, formando la Vía Láctea.

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/20/Rubens_V%C3%ADa_L%C3%A1ctea.jpg)

Rubens recrea este momento con gran maestría y belleza, pero además introduce en el cielo estrellado algunos cuerpos celestes que fueron observados por Galileo y que hasta entonces habían pasado inadvertidos. Así, podemos ver a Saturno con sus anillos y lunas, Júpiter con sus satélites o Venus con sus fases. De esta forma, Rubens rinde homenaje al astrónomo italiano y a su revolucionario telescopio, que le permitió descubrir estos fenómenos celestes.

## Saturno devorando a un hijo

Esta obra, que también se conserva en el Museo del Prado, es una de las más impactantes y violentas de Rubens. Se basa en el mito griego de Cronos (Saturno en la mitología romana), el dios del tiempo que devoraba a sus hijos recién nacidos por temor a que le arrebataran el trono. Solo se salvó Zeus (Júpiter), que fue escondido por su madre Rea y que luego derrocó a su padre.

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/dd/Rubens_saturn.jpg)

En esta pintura, Rubens muestra a Saturno con una expresión feroz y desesperada, sujetando con una mano a uno de sus hijos y mordiéndole la cabeza con la otra. La sangre salpica el cuerpo del niño y el rostro del dios. El fondo es oscuro y tenebroso, pero en la parte superior se distinguen tres luces celestes que representan a Saturno y sus anillos, tal como los vio Galileo por primera vez. De nuevo, Rubens hace un guiño al astrónomo y a su telescopio, que le permitió observar este planeta con más detalle.

Estos son solo dos ejemplos de cómo Rubens reflejó en su obra su relación con la astronomía y su admiración por los descubrimientos científicos de su tiempo. Rubens fue un artista que supo combinar la tradición clásica con la innovación moderna, creando obras maestras que nos siguen fascinando hoy en día.

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Rubens: un apasionado de la astronomía

Diego Velázquez es uno de los pintores más importantes de la historia del arte español y universal. Su obra refleja la realidad de su época con una maestría y una originalidad incomparables. Velázquez fue el pintor de la corte de Felipe IV, pero también un artista que supo captar la belleza y la dignidad de las personas más humildes. Su influencia se extiende hasta nuestros días y muchos artistas lo han admirado y tomado como referencia.

En este artículo, te presentamos algunas curiosidades sobre la vida y obra de Diego Velázquez que quizás no conocías. Desde su temprano inicio en el mundo del arte hasta sus viajes a Italia, descubre algunos de los detalles más interesantes sobre uno de los grandes genios de la pintura.

## 1. Fue bautizado el mismo día que nació

Velázquez nació en Sevilla el 6 de junio de 1599, en el seno de una familia acomodada de origen portugués. El mismo día de su nacimiento fue bautizado en la iglesia de San Pedro, lo que era habitual en aquella época debido a la alta mortalidad infantil. Su nombre completo era Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, aunque se le conoce solo por su apellido materno.

## 2. Se casó con la hija de su maestro

A los 11 años, Velázquez entró como aprendiz en el taller del pintor Francisco Pacheco, uno de los más prestigiosos de Sevilla. Allí aprendió las técnicas y los principios del arte, así como el oficio de pintor. Con 19 años, contrajo matrimonio con Juana Pacheco, la hija de su maestro, que tenía 15 años. Se trató de un matrimonio de conveniencia, muy común entre los que compartían un mismo oficio para proteger sus intereses. Velázquez tuvo dos hijas con Juana: Francisca y Ignacia.

![](https://2.bp.blogspot.com/-sEUe9MRSs_k/Vq49HOj40tI/AAAAAAAAC4k/KpelsQaCQgo/w1200-h630-p-k-no-nu/Retrato%2Bde%2BFrancisco%2BPacheco%2Bpor%2BDiego%2BVel%25C3%25A1zquez%2B%2528Museo%2Bdel%2BPrado%2529.jpg)

*Retrato de Francisco Pacheco, maestro de Velázquez.*

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## 3. Tuvo varias amantes y un hijo ilegítimo

A pesar de estar casado, Velázquez tuvo varias aventuras amorosas a lo largo de su vida. Una de ellas fue con una modelo italiana llamada Jerónima Montañés, con la que tuvo un hijo ilegítimo que reconoció y bautizó como Antonio. Se cree que Jerónima es la mujer que aparece en el famoso cuadro La Venus del espejo, y que Antonio es el niño que representa a Cupido.

## 4. Fue nombrado pintor del rey a los 24 años

En 1623, Velázquez viajó por primera vez a Madrid, donde tuvo la oportunidad de retratar al rey Felipe IV. El monarca quedó tan impresionado por su talento que lo nombró su pintor de cámara, el cargo más alto entre los pintores de la corte. Velázquez se trasladó a vivir a Madrid con su familia y se convirtió en el encargado de retratar al rey, a su familia y a los personajes más importantes del reino. También se ocupó de supervisar las obras de arte que se compraban o se encargaban para el palacio.

## 5. Viajó dos veces a Italia

Velázquez realizó dos viajes a Italia, en 1629 y en 1649, que fueron fundamentales para su formación artística. En Italia, Velázquez pudo admirar las obras de los grandes maestros del Renacimiento y del Barroco, como Rafael, Miguel Ángel, Tiziano o Caravaggio. También pudo pintar algunos paisajes, retratos y escenas mitológicas que le permitieron experimentar con nuevos temas y estilos. Entre las obras que realizó en Italia se encuentran La fragua de Vulcano, La túnica de José o El retrato del papa Inocencio X.

![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/ae/Vel%C3%A1zquez_-_La_Fragua_de_Vulcano_%28Museo_del_Prado%2C_1630%29.jpg)

*La Fragua de Vulcano, fuertemente inspirada por los viajes a Italia de Velázquez.*

## 6. Pintó a los marginados con respeto y dignidad

Además de los retratos oficiales, Velázquez también se interesó por pintar a las personas más humildes y marginadas de la sociedad, como los bufones, los enanos, los mendigos o los esclavos. Lejos de ridiculizarlos o compadecerlos, Velázquez les otorgó un trato respetuoso y digno, mostrando su humanidad y su personalidad. Algunos ejemplos de estas obras son El bufón don Diego de Acedo, El niño de Vallecas o El esclavo Juan de Pareja.

## 7. Fue condecorado con la Cruz de Santiago

Velázquez tuvo una gran relación con el rey Felipe IV, que lo apreciaba y lo protegía. En 1658, el rey le concedió el hábito de la Orden de Santiago, una de las más prestigiosas de España. Se trata de una distinción que se otorgaba a los caballeros que habían demostrado su valor y su nobleza. Velázquez añadió la cruz de Santiago a su autorretrato que aparece en el cuadro Las Meninas, como símbolo de su honor y su estatus.

![](https://img2.rtve.es/i/?w=1600&i=1630997276806.jpg)

*Velázquez con la Cruz de Santiago en el cuadro de Las Meninas.*

## 8. Murió por una fiebre después de pintar al rey

Velázquez murió en Madrid el 6 de agosto de 1660, a los 61 años, a causa de una fiebre que contrajo después de pintar al rey en la celebración del Tratado de los Pirineos. Este tratado ponía fin a la guerra entre España y Francia y suponía el matrimonio entre la hija de Felipe IV, María Teresa, y el rey Luis XIV. Velázquez acompañó al rey a la frontera francesa y pintó su retrato para la ceremonia. Al regresar a Madrid, cayó enfermo y falleció pocos días después. Su esposa Juana murió una semana después que él.

## 9. Fue demandado y condenado por desfalco después de muerto

Velázquez, además de pintor, fue un funcionario real que se encargaba de gestionar las obras de arte que se compraban o se encargaban para el palacio. Sin embargo, parece que no llevaba muy bien las cuentas y que gastaba más de lo que debía. Después de su muerte, fue demandado por desfalco y condenado a pagar una multa de 16.000 ducados. Su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo, que también era pintor y había heredado su cargo, tuvo que hacerse cargo de la deuda.

## 10. Fue un referente para muchos artistas posteriores

La obra de Velázquez ha sido admirada y estudiada por muchos artistas posteriores, que han visto en él un maestro del realismo, del color, de la luz y de la composición. Entre los pintores que se han inspirado en Velázquez se encuentran Goya, Manet, Picasso, Dalí o Bacon. Algunos han hecho versiones o reinterpretaciones de sus cuadros más famosos, como Las Meninas o Las hilanderas. Otros han incorporado elementos o rasgos de su estilo a sus propias obras.

Esperamos que este artículo te haya gustado y te haya ayudado a conocer mejor a Diego Velázquez, uno de los pintores más geniales e influyentes de la historia del arte. Si deseas conocer otros datos sobre Velázquez y su obra, características técnicas, datos sobre artistas del Renacimiento y, sobre todo, información sobre las más grandes obras del arte que alberga el Museo del Louvre de París, te recomendamos  ["El Louvre Guía de Arte" ya disponible en Amazon haciendo click aquí.](https://www.amazon.es/dp/8418943424/) Si prefieres comprarlo en librería, [**encuentra tu librería más cercana haciendo click aquí.**](https://www.todostuslibros.com/libros/museo-del-louvre-guia-de-arte_978-84-18943-42-3)

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Fuentes:

*   [6 CURIOSIDADES SOBRE VELÁZQUEZ - Rovial](http://www.rovial.com/6-curiosidades-sobre-velazquez/)
*   [10 curiosidades fascinantes sobre el genio del arte, Diego Velázquez ...](https://mundo-curioso.com/sabias-que/curiosidades-sobre-diego-velazquez/)
*   [10 datos sobre Diego Velázquez - DiverLego](https://diverlego.com/arte/10-datos-sobre-diego-velazquez/)
*   [Descubre 4 curiosidades sobre Diego Velázquez - Okdiario](https://okdiario.com/curiosidades/diego-velazquez-biografia-1648019)



10 curiosidades increíbles sobre Diego Velázquez

Murillo fue uno de los pintores más destacados del siglo XVII en España. Su obra abarca desde temas religiosos hasta escenas cotidianas de la vida sevillana, pasando por retratos y paisajes. Su estilo se caracteriza por el uso de colores vivos, la delicadeza de las formas y la expresividad de los rostros.

Murillo nació en Sevilla en 1617, en el seno de una familia humilde. Quedó huérfano a los diez años y se formó como pintor con su cuñado Juan del Castillo, que le enseñó las técnicas del naturalismo tenebrista. Más tarde, viajó a Madrid, donde conoció la obra de Velázquez, que le influyó en su búsqueda de la luz y el realismo.

A su regreso a Sevilla, Murillo se dedicó principalmente a pintar cuadros religiosos para conventos e iglesias. Entre sus obras más famosas de este periodo se encuentran las series de la vida de la Virgen y de San Francisco de Asís, que muestran su maestría en el tratamiento de las telas, los gestos y las emociones.

<center>![](https\://www\.diariodesevilla.es/2021/04/23/ocio/detalle-imagen-facilitada-Christies_1567653405_137524617_667x375.jpg)</center>

*Detalle de "San Francisco abrazando a Cristo en la Cruz".*

A pesar de las dificultades económicas y sociales que atravesaba la ciudad, Murillo supo abrirse camino en el mercado artístico y ganarse el favor de los clientes más exigentes. Su estilo evolucionó desde las primeras obras de temática religiosa, con influencia del naturalismo tenebrista, hasta las últimas, más luminosas y coloridas, con escenas de la vida popular y de la infancia de Jesús y la Virgen. Entre sus obras más destacadas se encuentran las series pictóricas que realizó para los conventos de San Francisco y de los Capuchinos, el ciclo de la vida de Santa María la Blanca para la iglesia homónima, o los retratos de personajes ilustres como Juan de Dios o Nicolás Omazur.

Murillo fue también un hombre comprometido con su tiempo y con su ciudad. Participó activamente en la fundación de la Academia de Bellas Artes de Sevilla, donde ejerció como presidente y profesor. Asimismo, se involucró en obras de caridad y beneficencia, especialmente con los niños pobres y abandonados. Su generosidad le costó la vida, pues contrajo una grave infección al caerse de un andamio mientras pintaba un cuadro para el Hospital de la Caridad. Murió en 1682, a los 64 años, dejando un legado artístico incomparable y una huella imborrable en la historia de Sevilla.

En la década de 1660, Murillo cambió su estilo y se orientó hacia una pintura más luminosa y colorista, con influencias del barroco italiano y flamenco. Sus temas se diversificaron y empezó a pintar escenas populares, como las conocidas como "los niños de Murillo", que representan a niños pobres y mendigos con gran naturalidad y ternura.

<center>![](https\://historia-arte.com/_/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvNWQ1ZTRmZTQ5Y2U5Ny5qcGciLCJyZXNpemVDcm9wLDYwMCwzMDAsNTAlLDQwJSJdfQ.VgG1x6NYQ_79BwyUik4ifYrKldnzigTavpdmMM6pE5o.jpg)</center>

*Detalle de "Niños comiendo Uvas y Melón".*

Murillo también fue un excelente retratista, capaz de captar la personalidad y el carácter de sus modelos. Entre sus retratos más célebres se encuentran los de su mecenas Nicolás Omazur, el obispo Ambrosio Ignacio Spínola y el escultor Pedro Roldán.

Murillo murió en 1682, tras sufrir una caída mientras pintaba un cuadro. Su legado artístico fue enorme y tuvo muchos seguidores y admiradores, tanto en España como en el resto de Europa. Su obra se conserva en museos como el Prado, el Louvre, la National Gallery o el Hermitage. Si deseas conocer otros datos sobre Murillo y su obra, características técnicas, datos sobre artistas del Renacimiento y, sobre todo, información sobre las más grandes obras del arte que alberga el Museo del Prado de Madrid, te recomendamos  ["El Prado Guía de Arte" ya disponible en Amazon haciendo click aquí.](https://www.amazon.es/dp/8418943424/) Si prefieres comprarlo en librería, [**encuentra tu librería más cercana haciendo click aquí.**](https://www.todostuslibros.com/libros/museo-del-louvre-guia-de-arte_978-84-18943-42-3)

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Murillo: una historia de bondad y superación

¿Sabías que las famosas Pinturas Negras de Goya no fueron pintadas sobre lienzo, sino sobre los muros de una casa de campo? En este artículo te contamos cómo la obra de Goya de la Quinta del Sordo pasó de la pared al lienzo, el strappo y cómo ha afectado a la obra que conocemos hoy en día.

## ¿Qué son las Pinturas Negras de Goya?

Las Pinturas Negras son un conjunto de 14 obras que el pintor aragonés Francisco de Goya realizó entre 1819 y 1823, poco antes de exiliarse a Francia. Se trata de unas pinturas de gran formato, con colores oscuros y una temática sombría, que reflejan el estado de ánimo del artista en sus últimos años de vida.

Goya pintó estas obras directamente sobre los muros de su casa de campo, llamada La Quinta del Sordo, situada cerca del río Manzanares, en las afueras de Madrid. Allí vivió con su ama de llaves y posible amante, Leocadia Zorrilla, y su hija Rosario. La casa recibió este nombre porque tanto Goya como el anterior propietario eran sordos.

Las Pinturas Negras no fueron concebidas como un conjunto unitario, sino como una decoración personal e íntima para las dos plantas de la casa. Goya no dejó ningún documento sobre el significado o el título de estas obras, que han sido objeto de múltiples interpretaciones. Algunas de las más conocidas son Saturno devorando a su hijo, Duelo a garrotazos, El aquelarre o El perro semihundido.

<center>![](https\://historia-arte.com/_/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvZ295YS1lbC1hcXVlbGFycmUtbXVzZW8tbGEtemFyby1nYWxkaWFuby1tYWRyaWQtMTc5Ny05OC5qcGciLCJyZXNpemVDcm9wLDYwMCwzMDAsQ1JPUF9CQUxBTkN/FIl19.QkXJHx3wqVX-9XEhIYny2ws0C2CaE5E_GX7saTp4f_U.jpg)</center>

*Detalle de El aquelarre, de Francisco de Goya.*

Estas pinturas permanecieron en la casa hasta 1873, cuando el nieto de Goya vendió la propiedad a un banquero francés llamado Frédéric Émile d'Erlanger. Este encargó al restaurador Salvador Martínez Cubells que arrancara las pinturas de los muros y las transfiriera a lienzo mediante la técnica del strappo.

## ¿Qué es el strappo?

El strappo es un método que consiste en aplicar una capa de cola animal sobre la superficie pictórica, dejarla secar y luego desprenderla con cuidado, llevándose consigo la capa de pintura. Después se pega esta capa sobre un nuevo soporte, generalmente un lienzo o una tabla.

El strappo era una técnica económica pero también muy dañina para las obras, ya que provocaba pérdidas de pintura, deformaciones y grietas. Además, las Pinturas Negras sufrieron otros daños durante su traslado a París, donde fueron expuestas en 1878, y su posterior regreso a Madrid, donde fueron donadas al Museo del Prado por el barón d'Erlanger en 1881.

<center>![](https\://estaticos.elmundo.es/assets/multimedia/imagenes/2016/11/11/14788882199113.jpg)</center>

*Ejemplo de la técnica del strappo durante el expolio de los frescos de Sijena.*

En el Museo del Prado, las Pinturas Negras fueron sometidas a una restauración por parte de Martínez Cubells, que modificó algunos detalles y rellenó los huecos con pintura nueva. Estas intervenciones alteraron el aspecto original de las obras y dificultaron su estudio e interpretación.

## Las Pinturas Negras originales eran muy diferentes

Gracias a unas fotografías que tomó el francés Jean Laurent en 1873, antes del arranque de las pinturas, se ha podido comparar el estado original con el actual y apreciar las diferencias. Por ejemplo, se ha descubierto que Saturno tenía una expresión más sorprendida y violenta, que El perro semihundido tenía más espacio vacío por encima o que El aquelarre tenía más figuras en el fondo.

Laurent se enfrentó a una difícil tarea, pues tuvo que trasladar todo el equipo necesario para realizar fotografías con el sistema de colodión húmedo, que requería una preparación química previa y posterior a la exposición. Además, tuvo que iluminar las habitaciones con un novedoso sistema eléctrico, pues la luz natural era insuficiente para captar los detalles de las pinturas.

![](https://cdn.zendalibros.com/wp-content/uploads/negativo-garrotazos.jpg)

*La famosa pintura Duelo a Garrotazos en su versión original no presentaba a los hombres enterrados.*

Gracias a estas fotografías, podemos apreciar las diferencias entre las versiones originales y las actuales de las Pinturas Negras, que se conservan en el Museo del Prado desde 1881. Algunas de estas diferencias son:

*   El formato: Las pinturas originales tenían forma rectangular o cuadrada, con unos falsos marcos pintados por el propio Goya. Al pasarlas a lienzo, se recortaron los bordes y se redondearon las esquinas, alterando la composición y el equilibrio de las obras.

*   El color: Las pinturas originales tenían una gama cromática más variada y rica, con tonos rojos, verdes, azules y amarillos. Al pasarlas a lienzo, se perdieron algunos pigmentos y se aplicaron barnices que oscurecieron y amarillearon las obras.

*   Los detalles: Las pinturas originales tenían más definición y expresividad en los rostros, las manos, los objetos y los fondos. Al pasarlas a lienzo, se borraron o difuminaron algunos elementos, como las velas en El aquelarre, el perro en La romería de San Isidro o el paisaje en La leocadia.

Estas diferencias nos muestran cómo el proceso de restauración y traslado alteró el aspecto y el significado de las Pinturas Negras, pero también nos revelan el valor documental e histórico de las fotografías de Jean Laurent, que nos permiten acercarnos a la visión original de Goya y admirar su genio artístico.

![](https://cdn.zendalibros.com/wp-content/uploads/perro-semihundido-j-laurent.jpg)

*El famoso Perro Semihundido observaba originalmente a dos pájaros que le sobrevolaban.*

Las Pinturas Negras son unas obras únicas en la historia del arte, que muestran la visión personal y dramática de Goya sobre la realidad que le rodeaba. Su traslado al lienzo supuso un cambio radical en su forma de presentación y conservación, que ha afectado a su percepción y valoración por parte del público y la crítica.

Esperamos que este artículo te haya gustado y te haya ayudado a conocer mejor las pinturas negras y a Goya, uno de los pintores más geniales e influyentes de la historia del arte. Si deseas conocer otros datos sobre Goya y su obra, características técnicas, datos sobre artistas del Renacimiento y, sobre todo, información sobre las más grandes obras del arte que alberga el Museo del Prado de Madrid, te recomendamos  ["El Prado Guía de Arte" ya disponible en Amazon haciendo click aquí.](https://www.amazon.es/dp/8418943424/) Si prefieres comprarlo en librería, [**encuentra tu librería más cercana haciendo click aquí.**](https://www.todostuslibros.com/libros/museo-del-louvre-guia-de-arte_978-84-18943-42-3)

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